Yeray-Muad'Dib Blog  

Un caótico depósito de reflexiones, recuerdos y paridas mentales.

Pixel: que siga rulando 14 de abril de 2010

Pocos vídeos se han difundido con tanta rapidez como este Pixel, de Patrick Jean, que rinde homenaje de una forma impecable y con una gran pericia técnica a la cultura videojugona de los 80, que tan de moda está ahora.

Como dice Mandelrot, los créditos finales se salen.

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Arte vs. Diseño 5 de abril de 2010

Colin Wright acerca de la diferencia entre arte y diseño, que no siempre está clara:

"Art is like masturbation. It is selfish and introverted and done for you and you alone. Design is like sex. There is someone else involved, their needs are just as important as your own, and if everything goes right, both parties are happy in the end."

Traducción casera:

"El arte es como la masturbación. Es egoísta e introvertido y se hace para uno mismo y sólamente para uno mismo. El diseño es como el sexo. Hay alguien más implicado, sus necesidades son tan importante como las tuyas, y si todo va bien, al final ambos se quedan satisfechos."

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Some assembly required 25 de febrero de 2010

Al artista sueco Michael Johansson le encanta crear piezas conceptuales en torno a esas maquetillas de plástico en las que las piezas están engarzadas en una estructura tubular.

Tiene varias de ese tipo que pueden verse en su web, pero sin duda la más simpática es esta espectacular maqueta 1:1 de un yate, sin ensamblar ni pintar.

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Un precioso timelapse de Japón 15 de diciembre de 2009

Oooohhh... que colores. Lástima que la música sea algo cuestionable.

Grabado en el Fuji y las prefecturas de Miyajima e Iwate.

(Gracias Damagode)

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Meet Yuta Onoda 10 de diciembre de 2009

El señor Onoda es uno de esos ilustradores con estilo y personalidad, así como con una técnica meticulosa y delicada. Aquí tienen una bonita muestra de su trabajo, junto con una entrevista. El artista también tiene web y blog.

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Shane Devries y sus cantores en el desierto 25 de noviembre de 2009

El blog de Shane Devries es un derroche constante de creatividad, diversión y pericia artística.

Aunque sólo sea por su dibujo Desert Singers, este hombre merece reconocimiento universal.

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Las cosas simpáticas de Jean Baptiste Vendamme 24 de noviembre de 2009

No se pueden perder la galería de imágenes digitales de Thedoberman, alias de Jean Baptiste Vendamm. Yo me he convertido ya en un fan de su estilo voluminoso, elegante y simpático. Además, no es muy habitual que un ilustrador también domine la escultura.

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Mundos ocultos a 1000FPS 17 de noviembre de 2009

Sabemos que hay mundos fascinantes ocultos en la escala microscópica, pero también hay un universo de detalles que descubrimos al dilatar la escala del tiempo, en lugar de la del tamaño.

Por lo tanto, una cámara que dispare a 1.000 fotogramas por segundo, o incluso a 2.500, puede hacernos cambiar la forma en la que vemos el mundo. Buena prueba de ello es esta fascinante videocreación grabada con la I-Movix SprintCam v3. Tengan paciencia, que la cosa se pone más impactante a mitad del vídeo.

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El WOMAD y la Feria del Cómic de Gáldar 16 de noviembre de 2009

Aunque ya pasó el fin de semana, repasemos aquí dos eventos de diversa naturaleza y dimensión que han tenido lugar estos últimos días.

- El WOMAD de Las Palmas, que sigue siendo un referente musical y cultural. En un ambiente casi utópico de multiculturalidad y diversidad, grupos de todas partes del mundo y todo tipo de estilos ofrecen su música junto a decenas de puestos de artesanía y performances espontáneas. Ideal para abrir la mente, pasarlo bien y descubrir nuevas formas de expresión, porque a diferencia de lo que dicen algunos, el festival no nada ni remotamente parecido a "un grupo de porreros haciendo música rara".

- En la Villa de Gáldar ha tenido lugar su primera Feria del Cómic. Por razones imponderables no he podido asistir, y tampoco sé el nivel de aceptación que haya podido tener, pero desde luego, quiero hacer constancia aquí del esfuerzo y la notable iniciativa de los organizadores. Cosas así tienen muchísima importancia en pueblos y ciudades pequeñas.

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La ironía de la pintura hiperrealista 27 de octubre de 2009

Hay quien dice que la pintura hiperrealista no tiene demasiado sentido: ¿para que invertir tantísimas horas de trabajo en realizar algo que difícilmente se diferencia de una fotografía? Para otros, el valor de estas obras reside precisamente en la reflexión que emerge de la realización de un proceso tan complejo y costoso como, aparentemente, superfluo (algo así como cuando Valcárcel pintó de blanco una pared blanca, usando un pincel fino). Para muchos otros, por muy hiperrealista que sea, la textura de una pintura nunca será como una foto, y de ahí su justificación.

No importa. El caso es que en los tiempos de las cámaras digitales de gran calidad por unos apenas unos cientos de euros y la democratización del Photoshop, aún hay espacio para la pintura y el dibujo hiperrealistas, como podemos ver en los siguientes enlaces:

- Andrew Newton tal vez no sea del todo hiperrealista, pero no deja indiferente con sus retratos.

- David Jon Kassan realiza unos retratos de una delicadeza infinita y una precisión acojonante, tanto en pintura como en dibujo.

- Una galería de diversos dibujos de autores desconocidos. Muy realistas, pero menos interesantes, la verdad.

- El gran clásico del hiperrealismo español es, sin duda, Antonio López. No es facil encontrar su obra por la web. Aquí tienen una.

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Art doesn't help people, 13 de octubre de 2009

People help people.

Hay graffittis chulos, y luego hay cosas como ésta.

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Miscelánea de arte, diseño e ilustración 6 de octubre de 2009

Una pequeña selección de joyitas visuales que he visto últimamente:

- Koi No Bakansu: un poco de Mucha, con una pizquilla de manga. Muy bonito. (Más del artista aquí)

- Sip, es una frase del Fight Club. Siempre me gustó la frase. Y la peli, claro.

- ¡A ver cuantos robots puedes identificar en esta divertida imagen! Ideal para imprimir en camiseta.

- Scott C. es especialista en ilustraciones tan simpáticas como esta, titulada Ninja House. Pueden comprárselas directamente al artista, con su marco y todo.

- Zena Zholloway es la maestra de las imágenes digitales ambientadas bajo el agua. Ésta me fascina (sacada de aquí, donde pueden encontrar muchas más)

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Ikea Large Graffiti Slogan, by Banksy 23 de septiembre de 2009

Otra de esas obras de arte urbano de Banksy. Es que no deja de revolvernos, este hombre.

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Historia Natural del Osito de Peluche 13 de agosto de 2009

Teddy Bear Natural History es un precioso proyecto de Stephanie Metz, en el que se propone una reflexión surgida de la aplicación de los métodos científicos racionales (que persiguen la clasificación, disección y comprensión de la naturaleza) a un objeto irracional y con una fuerte carga emotiva, como lo es el osito de peluche.

La artista, por tanto, ha hecho una suerte de ingeniería inversa de diversos ositos, y ha reconstruido su estructura ósea, su estado embrionario y ha inferido su proceso de gestación. También ha elaborado una taxonomía y ha dado nombres científicos a cada espécimen.

El resultado, desde luego, es inquietante, pero vagamente divertido y realmente interesante. En la web del proyecto, dentro del sitio de la artista, pueden conocer más detalles.

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La historia del Palacio de los Soviets 5 de agosto de 2009

La arquitectura soviética es fascinante: aunque la mayor parte de los edicios del periodo comunista estaban diseñados con la funcionalidad y la sobriedad en mente (y la mayoría eran feos a morirse), determinados monumentos y edificios singulares fueron concebidos a lo faraónico, rayando lo disparatado. Se suponía que era una arquitectura al servicio del pueblo, pero se dilapidaban fortunas en inmensas monstruosidades que poco o nada aliviaban los padecimientos de los ciudadanos.

Un buen ejemplo es el malogrado Palacio de los Soviets, cuya historia resumo a continuación:

La propuesta de construir un edificio para el Congreso de los Soviets surgió al mismo tiempo que la fundación de la URSS, a principio de los 20. Sergey Kirov (sí, el del dirigible) propuso que el palacio "debía construirse donde una vez existían palacios de banqueros y terratenientes".

Tras un primer concurso de diseños que quedó desierto, en el 31 unos miembros destacados del Partido decidieron que el emplazamiento para el Palacio debía ser donde se erigía la Catedral de Cristo el Salvador, así que se la cargaron con explosiones. Los restos tardaron más de un año el limpiarse.

En el segundo concurso resultó ganador el diseño de Boris Iofan, que fue desde el principio concebido como una torre coronada con una gran estatua de Lenin. El primer boceto evolucionó hacia un edificio más contundente y corpóreo, que luego fue modificado según instrucciones del mismísimo Stalin (que quería que tuviese la misma altura, o más, que la Torre Eiffel). Los bocetos de la versión final del proyecto muestran un edificio de proporciones descomunales, con una clarísima intención propagandística, que recuerda ligeramente al edificio principal de la Universidad de Moscú.

La construcción empezó en 1939 con la excavación de los cimientos. Sin embargo, los trabajos fueron rápidamente interrumpidos por la Segunda Guerra Mundial, y las estructuras de hierro se usaron en las defensas de la ciudad.

La muerte definitiva del proyecto fue a finales de la década de los 50, cuando los cimientos se limpiaron y se convirtieron en una gran piscina al aire libre, de la que disfrutaron los moscovitas hasta que, en 1995, comenzó la construcción de la nueva Catedral de Cristo el Salvador, que hoy se alza donde debía estar el Palacio de los Soviets.


Sin duda, de haberse realizado, sería una poderosísima atracción turística de Rusia, y tal vez a muchos le resulten inspiradoras las líneas y dimensiones del monumento: al fin de cuentas, se diseñó para que fuese impresionante. Sin embargo, como suele suceder con estos megamonumentos, suelen ser símbolos de regímenes totalitarios, en los que se intenta impresionar al pueblo con obras supuestamentes creadas para ellos que disimulan la podedumbre del sistema.

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El día que el Estado otorgue subvenciones a los cómics, los cómics estarán muertos 4 de agosto de 2009

Lo leí en el blog del Comicsario.

Puede que tenga razón o no, pero hay algo indiscutible: existe un inmenso, gigantesco, descomunal agravio comparativo entre las ayudas públicas que recibe el cine y las que (no) reciben otras manifestaciones culturales, como el cómic o los videojuegos.

Hay directores de cine que siguen haciendo bodrio tras bodrio porque reciben constantemente subvenciones, aunque vayan dos gatos a ver sus películas. De hecho, hay muchas películas con ayuda oficial que ni se llegan a estrenar (no lo digo yo, es la verdad). Sin embargo, editoras y productoras de tebeos mueren constantemente al enfrentarse a riesgos y dificultades gigantescas. ¿Acaso el cine es mejor cultura que el cómic, por ejemplo?

No se trata de que ahora también se subvencionen tebeos bodrios (tal vez, como dice Hernan Migoya, eso podría perjudicar más que ayudar), pero, ¿y si las subvenciones que se destinan a directores y guionistas pedantes que sólo quieren hacerse pajas cinematográficas y vivir del cuento se destinasen a facilitar la distribución, publicidad y difusión de proyectos interesantes de nuevos creadores de cómics o de videojuegos?

Gente buena preparada para ello hay por aquí, desde luego. Sólo falta que alguien le eche una mano.

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Arthur Rackham: de lo mejorcito de la ilustración victoriana 29 de julio de 2009

La realización de dibujos para acompañar los cuentos infantiles de hadas ha dado trabajo a notables artistas, que despliegan su talento para plasmar en imágenes los mundos fantásticos de los autores.

Un gran ejemplo es el notable ilustrador inglés Arthur Rackham, que cosechó a finales del siglo XIX y principios del XX importantes éxitos con sus pinturas para relatos de los Grimm, de Barrie y de Carroll, entre otros. También se adentró en géneros más adultos, como las óperas de Wagner o los relatos de Poe.

Pueden ver en esta galería de la Wikimedia algunas muestras de su bellísimo arte, en donde incluyen toda una categoría para sus ilustraciones de óperas de Wagner.

También pueden conocer más de su vida en la Wikipedia, y hay por ahí más recursos de imágenes, como éste o este otro.

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Ouka Leele + Goya 9 de julio de 2009

Los que viven en Gran Canaria no tienen excusa para perderse dos de las exposiciones más interesantes que se han visto últimamente: Goya, cronista de todas las guerras y Ouka Leele inédita. Ambas están en el Centro Atlántico de Arte Moderno, en Vegueta.

La primera exposición ofrece un recorrido por los aguafuertes de la serie Los Desastres de la Guerra, creados por el pintor para revelar los horrores de la Guerra de la Independencia entre España y Francia. La muestra se complementa con fotografías de conflictos contemporáneos, lo que hace intemporal el escalofriante mensaje de los grabados.

La segunda muestra las colosales obras fotográficas de la fotógrafa madrileña Ouka Leele, que son un enorme despliegue de talento, técnica, sensibilidad y belleza. Si no conocen la obra de esta mujer, pueden ver algunas de las obras de la exposición aquí, aquí y aquí. También pueden googlear un rato, que hay mucho material colgado por ahí.

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Los machanguillos de Geneviève Gauckler 8 de julio de 2009

Seguro que alguna vez han visto un diseño de Geneviève Gauckler, sin saberlo. Ha diseñado infinidad de productos, incluyendo camisetas, y ha montado diversas exposiciones de gran éxito.

Pueden ver muestras de su trabajo en su anárquica y simpática web. Pueden empezar por la sección de ilustraciones, y luego ver alguna expo. O pueden hacer lo que quieran, que casi todo lo que hay ahí es bueno.

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Las arquitecturas de Ilya Utkin y Alexander Brodsky 25 de junio de 2009

En este revelador post de ButDoesItFloat (en donde a menudo ponen cosillas curiosas) se puede apreciar el interesantísimo arte de Utkin y Brodsky, miembros de un grupo de artistas de los últimos días de la Unión Soviética llamado Los Arquitectos del Papel, que crearon fantásticas (en todos los sentidos) arquitecturas, a medio camino entre lo grandioso y lo onírico.

No sé si fueron la inspiración para la maravillosa serie Las Ciudades Oscuras, de Schuitten y Peeters, pero desde luego lo parece.

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IdeaFixa: más cosas chulas, aunque sea en portugués 18 de junio de 2009

IdeaFixa emag es otro (y no digo otro en el sentido peyorativo) blog colectivo dedicado al diseño, la ilustración y la fotografía, en esta ocasión escrito en portugués. Los contenidos son originales y propios, y no la simple repetición de lo que ponen otros blogs grandes. Por otro lado, el diseño del blog mismo es realmente soberbio.

Y además, gracias a un post que escribieron ayer, descubrí quienes hicieron una de mis portadas favoritas: la del Heathen de Bowie.

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Post-it Videoart 15 de junio de 2009

Siempre que veo cosas como esta, tan creativas como penosamente laboriosas, siempre pienso más o menos lo mismo: ¿cómo pudo conservar la cordura durante el proceso de realización?

Estaría bien saber cuantos Post-it pegó el tipo este. Supongo que un par de decenas de miles, o tal vez cientos de miles. Tremendo.

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Llenando agujeros 28 de mayo de 2009

A veces, las acciones más simples encierran la poesía más estremecedora.

En Berlín, a Jan Vormann, artista conceptual, le ha dado por rellenar los huecos y grietas que aún quedan de la Segunda Guerra Mundial con piezas de Lego. Esas heridas resultantes de la locura y la barbarie quedan, pues, cicatrizadas (al menos visualmente) con coloristas ladrillos fabricados para estimular la imaginación de los niños.

Precioso, ¿verdad?

Al artista se le han unido en la tarea espontáneamente los ciudadanos de la ciudad, y la idea también se ha expandido a Tel-Aviv, también castigada por conflictos bélicos.

Tienen fotos aquí, y también en la página del proyecto en el sitio del artsita.

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Los pecadillos de Marta Dahlig 13 de mayo de 2009

Tomando como base los pecados capitales tradicionales (que, por cierto, necesitan de una urgente puesta al día), la ilustradora digital Marta Dahlig ha realizado una coquetona serie de creaciones inspirándose en Alphonse Mucha y, me parece a mí, Joseph Michael Linsner (lo cual no deja de tener sentido). El resultado tiene bastante gracia, aunque a años luz de la tremenda elegancia de la famosa serie de las estaciones de Mucha.

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Impromptu visual y cosas bonitas: DQBooks 6 de mayo de 2009

Nunca dejo de sorprenderme por la cantidad de gente que hay por ahí afuera haciendo cosas buenísimas, y que pasan (al menos para mí) desapercibidas y que no persiguen beneficio comercial.

Un ejemplo es DQBooks: un proyecto de edición on-line de libros digitales de ilustraciones y fotografías. Actualmente hay cuatro disponibles, y aunque se echa de menos un tamaño mayor, la navegación "virtual pero real" y la calidad de los contenidos, así como el inteligente uso de la música atmosférica, hacen que hojearlos sea una verdadera experiencia.

Mención especial merece el libro Where is the party?, en el que las ilustraciones están hechas con un bolígrafo bic. No sé si naranja (que escribe fino) o cristal (que escribe normal), pero con un puñetero bic. Fascinante.

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Book of Numbers, por BubblyNumbers 15 de abril de 2009

Aunque lleva un tiempo ya por la web, nunca es mal momento para conocer el divertimento Book of Numbers, del equipo creativo (ya retirado, a juzgar por la última actualización de su web) BubblyNumbers.

No es más que un conjunto de collages animados, muy a lo Flying Circus, con el que puede uno perder el tiempo con bastante estilo.

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Dead Pixel in Google Earth 1 de abril de 2009

Curiosa pieza de arte conceptual a cargo de Helmut Smits. Encontrado vía Dark Roasted Blend y publicado en el blog today & tomorrow, en el que se habla mucho de arte y diseño.

Échenle un vistazo a la web del artista en cuestión, que tiene cosillas curiosas. Eso sí, mezcladas con alguna que otra grandilocuencia.

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90 años de vanguardia 31 de marzo de 2009

Hace ya nueve décadas que se fundó allá en Weimar la escuela de arte Bauhaus. De esa fábrica del diseño salieron obras y artistas fundamentales para comprender el arte moderno, y su estilo aún perdura como una clara influencia para muchos artistas.

Eran buenos tiempos para el arte y el diseño. Si les interesa todo eso, pueden saber más sobre la Bauhaus en la Wikipedia y en el museo-archivo del movimiento.

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Oscurantismo gráfico pre-revolucionario 11 de marzo de 2009

Creo que nadie duda del enorme interés que tienen las artes gráficas rusas del siglo XX, y esta galería de ilustraciones de principios de siglo es una buena muestra.

No entiendo un churro de ruso, así que sólo puedo deducir que las imágenes han sido seleccionadas por su caracter siniestro o amenazador, y desde luego dan bastante mal rollo. Se diría que casi preconizan los horrores que luego sufriría el pueblo ruso con las Guerras Mundiales o con el estalinimo más brutal.

(descubierto via Dark Roasted Blend)

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El arte de Nocturnal Devil 26 de febrero de 2009

DeviantART es uno de los mejores recursos para descubir artistas que merecen atención. Uno de ellos es Sheharzad Arsha, alias Nocturnal Devil, cuyo estilo, con ciertas influencias Manga y de Tim Burton (o eso me ha parecido ver), se plasma en viñetas satíricas, ilustraciones y cortos de animación.

Aquí tienen su galería. Échenle un vistazo, que tiene cosas buenas.

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Arte basurilla 19 de febrero de 2009

Hace ya un pilón de años estuve por Nueva York con unos amigos, en el que probablemente fue uno de los viajes más divertidos que he hecho (y también uno de los más frios, como se puede comprobar en las fotos).

Cuando estuvimos en Queens nos metimos en uno de los museos menos conocidos: el centro de arte contemporáneo P.S.1, filial del MOMA. Nos llamó la atención especialmente las obras de Tim Noble y Sue Webster, hechas a base de basura. Es dificil describirlas, pero el otro día tuve la suerte de encontrar una entrada en el blog Genetologic Research en el que habla de ellas. Échenle un vistazo a las fotos, que pueden sorprenderles. Les aseguro que no están trucadas.

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Chris Jordan: Running the Numbers 17 de febrero de 2009

No queda mucho para que acabe la primera década del siglo XXI, y es bastante deprimente llegar a la conclusión de que será recordada, principalmente, por la infame guerra al terror de la administración Bush y el estallido de una nueva forma de consumir.

Precisamente de esto último trata el trabajo Running the Numbers de Chris Jordan: la sociedad estadounidense (que no es otra cosa que un reflejo expandido de Europa y las economías emergentes) consume tanto, y está compuesta por tanta gente, que cualquier cifra relativa al consumo es disparatada y dificil de comprender.

Y por eso es necesario visualizar estas cifras con metáforas visuales. El resultado del proceso es absolutamente acojonante. Pasen y vean.

(vía Dark Roasted Blend)

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Bichos + Origami = ¿bichorigami? 7 de enero de 2009

Lamento el título del post.

Esta página es un bonito y espectacular ejemplo de las cotas de perfección a las que pueden llegar los artistas del origami cuando les dan un papel con la textura adecuada, un poco de tiempo, y la foto de un bicho (o el bicho en sí mismo, obviamente)

Impresionante. Y a mí que me la típica grulla me salía un churro...

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Más diseño gráfico, por favor 22 de diciembre de 2008

Design you trust es un blog de diseño gráfico, ilustración y arte. Uno puede pasarse horas contemplanto el trabajo de gente realmente excepcional en este campo, que van desde infografía de intros hasta instalaciones conceptuales.

Pasen y vean, no se arrepentirán.

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Más sobre arte urbano y sus creadores 3 de noviembre de 2008

Smashing Magazine y Streetsy parecen haberse puesto de acuerdo al publicar dos impresionantes galerías de Graffitis, en las que se muestra que Bansky no es el único en exprimir las capacidades comunicativas de esta forma de arte. Aquí tienen la primera galería (la de Smashing) y aquí la segunda. En ambos casos hay enlaces para ver más obras de cada artista.

Por cierto, si leen Mandelrot tal vez ya las conozcan, porque las enlazó este fin de semana.

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The times they are a'changing 30 de octubre de 2008

Dentro de una semana ya se sabrá quién gobernará durante cuatro años ese extraño país que tanto influye (demasiado, creo) sobre el resto del mundo.

No hay más que dar una vuelta por algunos sitios y blogs especializados para saber qué candidato cuenta con las simpatías del gremio de los diseñadores gráficos y los artistas conceptuales. Buena muestra es el sitio Design for Obama, en el que se cuelgan carteles hechos por entusiastas que apoyan al candidato demócrata.

Independientemente de las preferencias personales, no hay que negar que algunos carteles son soberbios: ya sean de una naturaleza más plástica (éste o éste) como conceptual y narrativa (éste) o mixta (éste otro). No faltan alguna que otra de inspiración geek, claro.

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Peggy Guggenheim: por amor al arte 7 de octubre de 2008

Creo que a todos, al oír la palabra Guggenheim, nos viene a la cabeza una instantánea del museo de extrañas curvas de Bilbao o el del cucurucho invertido de Nueva York. Estos dos grandes museos forman parte de la Fundación que creó Solomon R. Guggenheim, un empresario filántropo y miembro de una prominente familia americana. Su hermano Benjamin, muerto en el naufragio del Titanic, fue el padre de la mujer a la que he dedicado este pequeño post, Marguerite "Peggy" Guggenheim.

Tras morir su padre, Marguerite heredó una importante suma de dinero a los 21 años, pero su fortuna era mucho más reducida que la de otros miembros de su poderosa familia. Trabajó en una librería de libros avant-garde, donde empezó a familiarizarse con el ambiente bohemio de principios de siglo. Fue a Paris en 1920, donde conoció a importantes miembros de la vanguardia parisina como Brancusi, Duchampo o Man Ray, para quien posó.

Su boda en 1921 con Laurence Vail fue el inicio de una relación tormentosa y violenta, en la que se sucedían los insultos y los maltratos físicos. Laurence incluso llegó a arrastrarla por la calle, untarle el pelo con mermelada o arrojarle objetos durante la cena en un restaurante. Tras siete años de matrimonio, Peggy empezó a coleccionar tanto arte como artistas: se sentía tan orgullosa de sus aventuras sexuales que, respondiendo a la pregunta "¿Sra. Guggenheim, cuántos maridos ha tenido?", respondía "¿Míos o de otras mujeres?”.

En 1938 inaguró en Londres la galería Guggenheim Jeune con obras de Cocteau, y al estallar la Segunda Guerra Mundial empezó a coleccionar todo el arte abstracto y surrealista que le era posible. Organizó exhibiciones Kandinsky, Henry Moore, Max Ernst, Picasso y Bracque, entre muchos otros. Tras un año decidió cerrarla por las pérdidas económicas, y empezó a planear algo más ambicioso: la creación de un auténtico museo en París. Mientras hacía preparativos para la adquisición del edificio y la obtención de fondos, adquirió diez Picassos, cuarenta Ernsts, ocho Mirós, cuatro Magrittes, tres Man Rays, tres Dalís y un Klee, entre otros.

Más que un negocio o una afición, la recolección de obras se convirtió en una obsesión, y estuvo a punto de caer por la Wehrmacht mientras buscaba ávidamente una obra concreta. A los pocos días de ser tomada por los Nazis, Peggy huyó y tomó rumbo a Nueva York, donde abrió la galería (en parte Museo) The Art of This Century. De las tres salas, sólo una de ellas tenía caracter comercial. Las obras de las otras dos salas estaban sólo en exhibición. Durante esta etapa Peggy apadrinó a artistas modernos como Pollock y Max Ernst, con quien se casó en 1942.

Tras la Segunda Guerra Mundial cerró la galería y volvió a Europa. Fue invitada a la Bienal de Venecia, donde adquirió el Palazzo Venier dei Leoni, que convirtió en su museo y que hoy en día sigue albergando una de las coleccciones de arte moderno más importantes de Europa.

Durante su época en Venecia Peggy creó su propio personaje y labró una imagen excesiva, promíscua, tacaña y extravagante. Llegó a hacer de taquillera para sus fiestas, y controlaba al servicio la cantidad de bebida almacenada, para evitar hurtos. Sus gafas de mariposa y sus perrillos se convirtieron en símbolos reconocibles.

También tuvo su faceta de escritora: en su autobiografía Confesiones de una adicta al arte desmenuza y desmitifica frívolamente al pomposo y extravagante mundo de los artistas modernos. La gran Dama del surrealismo, muerta en 1979, está enterrada en su jardín, junto a sus catorce queridos perros, para los que escribió el epitafio Aquí yacen mis adorados bebés.

Si les interesa el perfil de esta señora, hay una pequeña (y algo sosa) biografía en la Wikipedia, y un espléndido artículo en el ejemplar de septiembre de la revista Historia y Vida.

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Más diseño gráfico sovietico 16 de septiembre de 2008

Ya no hace falta comprarse carísimos libracos de Taschen o catálogos de exposiciones remotas para disfrutar de las fascinantes obras gráficas de la vieja URSS. Ahora basta con googlear un poco o rebuscar en sitios especializados en imágenes, como puede ser Flickr.

Veamos dos maravillosos ejemplos de lo anterior:

- En los posters de propaganda política la URSS desplegaba todo su arsenal gráfico y artístico, como demuestra esta impresionante recopilación de más de mil ejemplares de diversas épocas. Puede uno pegarse horas navegando por este despliegue de estilos y efectismos.

- En esta curiosa galería de Flickr pueden admirar una rarísima recopilación de diseños destinados a folletos y etiquetas de maletas, publicados por la agencia de viajes estatal soviética INTOURIST. La mayoría fueron creados por A. Selensky.

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Reinterpretando a los clásicos 4 de septiembre de 2008

Como es dificil resistirse a photoshopear los grandes clásicos de la pintura universal, no resulta raro que algunas webs hayan dedicado galerías enteras a este tipo de retoques. Veamos algunas de ellas:

- Cacharrería tecnológica y cuadros míticos en esta galería de Gizmondo. Me resulta muy curiosa la recreación del ceci nes't pas une pipe de Magritte con un Kindle.

- Worth 1000 organiza varios concursos de retoque. Aquí podemos ver a caras famosas en retratos clásicos, y también retratos sin retratado. Más cosas parecidas en el enlace concursos relacionados.

- También en Worth 1000: graffittis en arte decimonónico.

- Y por último, en Flickr vemos esta galería de arte en la que se han colado patitos de bañera.

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You are beautiful 5 de agosto de 2008

Un proyecto artístico con ese nombre no puede ser malo, ¿verdad?
En realidad, es algo tan simple como hermoso.

¿Y en qué consiste? Veamos qué dicen sus autores:

Permite que nuestra declaración te informe,
pero siéntete libre para olvidarlo todo,
y simplemente disfrutar del mensaje.

Que este proyecto sea lo que sea para tí.

Pues eso.

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Diseños olímpicos 4 de agosto de 2008

Ahora que estamos en los albores de las polémicas Olimpiadas de Pekín, es buen momento para pensar en un elemento algo subvalorado de estos eventos: su imagen gráfica. A pesar de que no siempre se valora su importancia, hacer el diseño final del cartel o el logo de unos Juegos Olímpicos es uno de los sueños de cualquier creativo: miles de millones de personas tendrán los ojos puestos en tu obra.

Com oestas creaciones también son un símbolo de la moda y las tendencias del momento, esta recopilación de todos los carteles de los juegos olímpicos, desde Atenas 1896 hasta Londres 2012 es bastante interesante por muchos motivos, y merece la pena echarle un vistazo. A mí siempre me han gustado los minimalismos de Moscú 80 y Tokyo 64, aunque las pinceladas Art-Nouveau de Estocolmo 1912 tienen mucho encanto.

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Beauty Kit, for little girls 24 de julio de 2008

La pieza de videocreación Beauty Kit for little girls la ví hace un tiempo en algún festival de cine difital (creo que fue en el difunto y añorado Resfest), y me llamó mucho la atención. Se trata de otra reflexión sobre la cultura de la belleza y las exigencias de imagen que se imponen en la sociedad ultracompetitiva y exagerademente frívola de los Estados Unidos (y, en menor medida, aquí en Europa), pero realizada con una estética acojonante y con esa gracia típica de los nuevos videocreadores digitales.

Advierto: puede ser un poquillo impactante.

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Performance + DosPuntoCero: Improv Everywhere 17 de julio de 2008

Charlie Todd creó en el 2001 el colectivo Improv Everywhere, que se dedica a organizar tinglados artistico-conceptuales en sitios públicos, con el objeto de desconcertar a la gente que pase por ahí y obtener un efecto surrealista y/o estético en un contexto cotidiano. La difusión de los vídeos resultantes por blogs y paginillas sociales les ha otorgado cierta fama, lo que les permite afrontar acciones cada vez más vistosas.

Una de sus misiones más famosas fue la de "congelar" simultaneamente a un montón de personas (aparente normales e inconexas, pero en realidad compinches del tinglado) en la Grand Cental Station de Nueva York. Aquí tienen el tubo del evento.

Y hace poco montaron una de sus actuaciones más desconcertantes y asombrosas. Más que explicarles en qué consistía, mejor véanla ustedes mismos. En la web del colectivo hay muchos más vídeos.

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La evolución del "Lava el coche guarro" 16 de julio de 2008

Donde otros ven un cristal en el que se podrían plantar papas, Scott Wade ve un lienzo con el que sólo hace falta un dedo para ejecutar una pequeña obra maestra.

Con todos ustedes, la Scott Wade's Dirty Car Art Gallery.

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Viva Calaca 16 de junio de 2008

Ritxi Ostáriz, de Bilbao, es el autor de una pequeña pieza musical inspirada en el Día de los Muertos de México, y que puede ser vista en el sitio VivaCalaca.com. Échenle un vistazo, que merece la pena.

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Tim Knowles hace pintar a los árboles 11 de junio de 2008

Uno de los proyectos artísticos más bonitos que he visto últimamente es Tree Drawings, de Tim Knowles. A este hombre se le ha ocurrido acoplar artefactos de dibujo a las ramas de unos árboles y acercarles un lienzo. El viento hace el resto: pasado un tiempo, en la superficie aparecen motivos pintados por los árboles. Aunque los resultados pueda no ser demasiado espectaculares, el concepto de la obra es poético y emotivo.

Más info en la página del artista, en donde encontrarán otras interesantes exploraciones de la interacción entre plástica y naturaleza.

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Cree su propio Pollock para ponerlo sobre el sofá del salón 3 de junio de 2008

Jackson Pollock es uno de esos artistas de principios del siglo XX cuyos cuadros alcanzan cifras absurdas en las subastas, pero que mucha gente, al verlos, piensa "eso es feo de cojones". Si no saben de quien hablo, vean aquí uno de sus cuadros más conocidos (hay más en la magnífica web CiudadPintura)

Pero a lo que vamos: si quieren pintar sus propios Pollocks, tienen el juguete interactivo JacksonPollock.org, que funciona simplemente meneando el ratón a distintas velocidades y haciendo click de vez en cuando. Luego lo guardan (por ejemplo, capturando la pantalla con ImprPant), lo imprimen, y le dicen a sus colegas que es una reinterpretación de Pollock a cargo de un artista conceptual escandinavo invitado por la trienal de arte de Ayacucho, en Paraguay, y así quedan muy modernillos.

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Una de esas obras perfectas 13 de mayo de 2008

Si alguien me preguntase: ¿qué creación artística te gustaría parir algún día?, una de mis posibles respuestas (depende del día en el que me pillen) podría ser:

- Sería un cómic, porque considero que es una de las formas de expresión más complejas, poderosas y flexibles que existen.
- Debería provocar algún tipo de reacción emocional intensa. Tal vez incluso varias, como la melancolía y el humor.
- En una asombrosa torsión del concepto de cómic, tendría sólo una viñeta, y sacaría provecho de las posibilidades que ofrece el concepto viñeta.
- En el argumento debería estar presente el amor en alguna de sus variantes, por ser uno de los vehículos más potentes para los sentimientos, pero sin caer en el empalague o el tópico.

Pues resulta que el grandísimo creador Randall Munroe lo hizo hace unos pocos días: aquí tienen el resultado. A mí, al menos, esa viñeta me parece una cosa prodigiosa.

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Killing me softly 8 de mayo de 2008

Leo hoy en El País una reseña a una instalación artística realmente fascinante. Al menos, conceptualmente.

Resulta que a la prestigiosa artista France Cadet (a quien se le puede ver por chiringuitos de peso, como el Ars Electronica, el EXIT o el ARCO) le dio en el 2004 por montar unos PCs en los que la gente podía echar unas partidas al famoso videojuego de mata-mata Quake III Arena. Pero con un matiz fascinante: para controlar al jugador el usuario debe acariciar suavemente una bola negra que tiene delante. Con ternura. De lo contrario, el personaje no se moverá ni disparará adecuadamente. El invento se llama SweetPads.

Haciendo daño a través de la ternura y el cariño. Puede sonar contradictorio, pero en el fondo, ¿no ocurre muy a menudo?

Me descubro ante Vd, Srta. Cadet.

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El Guernica, como nunca lo has visto

En abril de 1937, la Legión Condor (pilotos y aviones Nazis al servicio de Franco), lanzó toneladas de explosivos sobre la población indefensa de la ciudad de Guernica. La horrorosa devastación que resultó de tan repugnante acto fue la inspiración de la obra cumbre de Picasso: el Guernica.

El Guernica es un cuadro visceral, desgarrador, y merece contemplarse con el corazón y las vísceras. Por eso, tras conocer el contexto en el que se creó, esta exploración tridimensional del cuadro que acaba de realizar Lena Gieseke puede llegar a ser realmente conmovedora.

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Cloud Formations, por Axel Antas 1 de abril de 2008

Por alguna razón, las nubes siguen cautivando la imaginación de quien las contempla. Y es una sensación maravillosa acercarse a estos esquivos y efímeros entes. Por eso me encanta esta galería fotográfica de nubes atrapadas en bosques. Poesía pura.

Y no se queden ahí: échenle un vistazo a otros proyectos de este hombre, porque es bueno.

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Arte en la cosecha 5 de marzo de 2008

Cuando se tiene un alma artística, aflora donde sea.

Me acabo de enterar por Grow-a-Brain que algunos agricultores japoneses combinan, con una maestría colosal, granos de arroz de dos tipos para crear hermosísimos y efímeros cuadros que sólo se pueden apreciar en todo su esplendor desde el aire. Es tan bonito que da escalofríos.

Aquí tienen una foto del cultivo, y aquí la secuencia completa de cómo el arroz crece y madura.

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Body-painting al estilo tradicional chino 4 de marzo de 2008

Siempre me han gustado el estilo tradicional chino (similar, con matices, al japonés) de pintar la naturaleza, con ese uso sutil de las distintas densidades de tinta y los espacios vacíos.

¿Que pasa si aplicamos esa forma tan peculiar de pintar a una superficie distinta al papel, como puede ser el cuerpo humano? Pues que tenemos un enfoque totalmente nuevo del body-painting.

Uno de los artistas más conocidos en este campo es Seyi Wujian. Esta galería es una excelente muestra de su trabajo. Y no estoy seguro si estas otras pinturas también son de Wujian, pero son preciosas.

Ojo: en ambas galerías hay chicas desnudas (pintadas, pero desnudas), así que cuidado si tienen al jefe revoloteando por ahí detrás.

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Definamos ofensivo 26 de febrero de 2008

A veces, en aras de evitar ofender a ciertas minorías, se cae en la estupidez y, peor aún, en el oscurantismo.

Hace un par de semanas el metro de Londres decidió censurar el cartel de una exposición sobre Lucas Cranach El Viejo, a punto de inagurarse en la Royal Academy of Arts. Según ellos, porque "todos los días millones de personas viajan en Metro, y tenemos que procurar no ofender a nadie"

Vean el cartel.

Sí, claro, la dama está en pelotas. E incluso luce una sonrisa picarona. Pero, ¿es ofensivo? Podrá haber algún talibán-mormón-ultraevangelista que se asombre de ver el pubis de la Venus, pero la opinión particular (y no representativa) de una ínfima minoría no puede forzar la censura de un cartel cuando éste se publica en el contexto de una sociedad occidental, moderna y tolerante, y cuyos valores consideran aceptables dicho material. Siguiendo este perverso principio de la no-ofensa para absolutamente todo el mundo, si yo tengo una pulsión sexual con la pasta de dientes (hay cosas mucho más raras), tal vez podría encontrar ofensivos los anuncios de Colgate, pero imagino que no van a retirarlos por ello.

Disculpen mi pataleta, pero hay pocas cosas que aguanto menos que el oscurantismo envuelto en respeto cultural. Porque si una entidad pública censura por ofensivo un simple desnudo artístico con 500 años de antiguedad, ofende a todos los ciudadanos a los que representa.

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Cartelismo publicitario Art-Deco en toda su gloria 21 de febrero de 2008

Creo que las tres o cuatro primeras décadas del siglo XX fueron las más interesantes en las artes visuales tradicionales. Y entre las corrientes artísticas surgidas en aquella época, el Art-Deco es una de las que más suelen gustar, gracias a la pureza y armonía de sus líneas. También por su flexibilidad, que permitió aplicar eficazmente sus principios a campos como la publicidad.

En esta página, por ejemplo, se han recopilado diversas muestras del Art-Deco aplicado a los carteles publicitarios, junto con muchos otros diseños más o menos contemporáneos. Algunos pósters, como los de Cassandre, son ya clásicos indiscutibles de las artes visuales.

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Bonito castillo. Imaginario, pero bonito 20 de febrero de 2008

Uno de los castillos más famosos del mundo es el de Neuschwanstein, construido por Luis II de Baviera, El Loco. Tal y como pone en su artículo de la Wikipedia, fue concebido en un tiempo en el que ya la funcionalidad bélica y estratégica de estas estructuras eran prácticamente inexistentes. El castillo, por tanto, fue sólo la fantasía romántica de un excéntrico, y de ahí que haya inspirado a equivalentes fantásticos y literarios. Por ejemplo, sirvió de modelo para el castillo de la Bella Durmiente del parque Disneyland de Florida. No me imagino la desolación del pobre Luis si levantase la cabeza y viese cómo su obra es la atracción central de uno de los sitios más horterillas sobre la tierra...

Pues si este castillo es impresionante, imagínense si se hubiese llegado a construir su sucesor: el castillo de Falkenstein, cuyas obras se paralizaron al morir Luis en 1886. Vean esta impresionante reproducción de cómo habría sido el edificio una vez finalizado.

Hay algo que tengo claro: de haberse construido, ahora mismo estaría comprando unos billetes de avión para ir a visitarlo, debidamente acompañado. Pero como no es así, tendré que seguir pensando en volver al que para mí el edificio más fascinante y romántico sobre la tierra: la Catedral de Salisbury.

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¿El futuro de Todo está en el net-art? 6 de febrero de 2008

En la portada del sitio SpaceCollective se dice que mentes avanzadas intercambian ideas e información sobre el estado de las especies, su planeta y el universo, viviendo las vidas de la Ciencia Ficción hoy. El eslógan (o algo así) del sitio es El futuro de Todo

En realidad no es así: el sitio parece más bien un repositorio de piezas de net-art, posts con mucha carga visual y/o reflexiva, proyectos colaborativos y divagaciones personales. Pero con paciencia y sin buscar nada en concreto se pueden encontrar cosas muy interesantes.

En su anárquica galería de imágenes (de fuentes y temas aparentemente inconexos) se pueden encontrar verdaderos hallazgos visuales.

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Dos piezas de vídeo impresionantes 23 de enero de 2008

Hay gente muy buena por ahí, haciendo cosas tremendas, que apenas reciben reconocimiento:

DollFace es un pequeño vídeo infográfico con una calidad visual extraordinaria, acerca de la persecución del ideal de belleza y sus consecuencias. Muy inquietante.

Bendito Machine es una curiosa obra metafórica, con una estética muy interesante. Casualmente, el diseño de la máquina del principio es muy parecida al diseño de un cartel que hice hace ya unos cuantos años para un proyecto que abandoné por falta de tiempo.

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Ilustraciones de libros antiguos 21 de enero de 2008

Ya dije aquí una vez que me fascinan las ilustraciones de los libros de más de un siglo de antiguedad, especialmente las hechas con las técnicas de la litografía y la xilografía. Muy a menudo las incorporo a mis trabajos de diseño gráficos, y suelen quedar estupendas con un poco de post-proceso y alteración.

Y a quien también le interese todo esto probablemente le será util la página oldbookillustrations.com, donde se ofrece al visitante un buen puñado de ilustraciones antiguas, escaneadas a una resolución aceptable. No del todo satisfactoria, pero aceptable.

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Pensamientos efímeros sobre el pavimento 17 de enero de 2008

Hace un tiempo descubrí una historia que me parece conmovedora.

Resulta que en algunas calles de Pekín se pueden ver ancianos que escriben reflexiones más o menos filosóficas en el pavimento de la calle. Hasta aquí todo normal: los "poetas urbanos" que escriben en el mobiliario público existen en casi cualquier gran ciudad europea. Pero en este caso hay una diferencia sutil, pero trascendental: estos ancianos chinos escriben con agua. Esos preciosos Kanjis se quedan impresos en las baldosas hasta que, en poco tiempo, se evaporan sin dejar rastro.

Hay muchas implicaciones en el simple cambio de la tinta por el agua: en primer lugar, la intención del autor. No es una búsqueda de trascendencia o protagonismo, como sería el usar tinta, es sólo difundir un pensamiento cuya impresión desaparecerá pronto, como lo hará el propio pensamiento que dio lugar al mensaje. También refleja un enorme sentimiento de armonía con el entorno, que no se ve alterado de ninguna forma permanente con la difusión del mensaje. E incluso podemos ir más allá y relacionar esta escritura con la infinitud de la naturaleza y el tiempo, porque, en un espacio reducido, el autor puede escribir indefinidamente, sin preocuparse de las dimensiones de su parcela.

Realmente hay poesía tanto en lo que transmiten como en cómo lo transmiten.

Aquí tienen el artículo en el que descubrí todo esto.

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The Rocky Horror Picture Show 12 de enero de 2008

¿Qué pasaría si juntásemos a Susan Sarandon, un novio suyo muy correcto, un travesti que desea ser como el Doctor Frankestein, dos extraterrestres, a Meatloaf, a una petarda histérica, a un investigador y al medio cerebro de un delicuente?

Pues que tendríamos ante nuestros ojos The Rocky Horror Picture Show. Copio lo que dice la Wikipedia: es una película dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show de Richard O´Brien. Se trata de una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N' Furter que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.

Mi opinión: es una obra de arte. Aunque la última parte de la película me parece un poco psicodélica. El personaje principal (el Doctor Frank N' Furter) tiene una personalidad de esas que no pasan desapercibidas. Además de su atuendo... que no es nada habitual para la época. Las canciones son increíbles e invitan a bailar y a soltarse uno la peluca (para los peninsulares/as: desmadrarse). Mis favoritas: Time Warp y Sweet Transvestite, que sirve como presentación de nuestro querido Doctor Frank N’ Furter. También podemos ver una jovencísima Susan Sarandon haciendo de niña buena que más tarde se suelta la melena, junto a su correctísimo novio, encarnado por Barry Bostwick, a quien hemos visto de alcalde de Nueva York en la última serie de Michael J. Fox.
La única pega que tiene la película para los hablantes de español es que no ha sido doblada. Únicamente puede disfrutarse en VO o con subtítulos. Pero merece la pena.

Para los valientes que la vean: el Time Warp es fácil de bailar.

Transinity

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Más arte urbano en estado de gracia 11 de enero de 2008

Aunque haya mucha mediocridad en el urban art (especialmente en lo que a Graffitis se refiere), hay muchas obras realmente soberbias. Y si no, examinen esta selección que publicó Ekosystem (un sitio dedicado a estas cosas) y que encontré via ... no sé, supongo que DarkRoastedBlend o algún superblog de esos.

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El misterio del Manuscrito Voynich 3 de enero de 2008

El Voynich es un manuscrito que parece sacado de uno de esos libros que tratan temas pseudo-histórico-religiosos-masónicos-templarios-conspiratorios a lo Código Da Vinci y similares.

Pero existe en realidad, y su misterio comenzó con su creación, hará unos 500 años. Se trata de un libro ilustrado, de contenidos desconocidos, escrito por un autor desconocido en un idioma desconocido que sólo se usa en este documento, y que por tanto se ha bautizado como idioma voynichés.

Uno de los aspectos más fascinantes del documento es, precisamente, su idioma. El que ningún experto en criptografía o lingüistica (entre otros, los grandes gurús que trabajaron en los códigos de la segunda guerra mundial) haya podido descifrarlo puede hacer pensar que los textos son sólo agrupaciones al azar de caracteres, pero un análisis de frecuencias de apariciones de letras y palabras sugiere que no sólo es un lenguaje concreto, sino que además está basado en alguna lengua natural. Pero nadie ha podido descifrar una sola palabra, o encontrar otros usos de este idioma en otro contexto.

En cuanto al contenido, no se sabe realmente de qué se trata, pero se puede inferir los temas que toca en base a sus ilustraciones. Parece que hay una cierta organización en secciones que tratan de astronomía, botánica, biología, química, farmacéutica o cosmología. Pero no hay certeza de que el texto se refiera a esos temas, o qué conocimientos de los mismos explora. E incluso, de asumir esas materias, se multiplican los misterios: por ejemplo, la mayoría de las plantas comentadas en la sección farmacéutica y botánica no han podido ser identificadas, a pesar del detalle de los dibujos.

Lo extraordinario de este documento ha dado pie a múltiples conjeturas de todo tipo. Las más escépticas afirman que el manuscrito es una elaborada broma, pero a pesar de los esfuerzos en ese sentido no se ha podido probar nada, y lo extenso y detallado del manuscrito no parece avalarlo. Una de las teorías más delirantes (defendida por Jacques Bergier) sugiere que el autor poseía conocimientos peligrosos y extraordinariamente avanzados para su época, como los principios de la energía nuclear, y que tenía que ocultar en el idioma críptico del pergamino. El que hayan pistas que sugieran que la autoría es de varios autores, en lugar de uno, podría reforzar esta hipótesis: un grupo de alquimistas o sabios querían ocultar conocimientos demasiado peligrosos para unos tiempos violentos y caóticos. Otros expertos más realistas sugieren que el texto podría contener realmente conocimientos muy avanzados para su época (la célula o las galaxias), pero que tal vez fue escrito un par de siglos más tarde de lo que se supone, por ejemplo en el s.XVII.

En cualquier caso, está claro que el manuscrito Voynich es uno de los objetos más fascinantes y misteriosos que existen. Si quieren conocer más sobre el tema, ya saben dónde hay más información. Y si quieren examinar con detalle y de forma exhaustiva el documento, en VoynichCentral están escaneadas todas y cada una de las páginas que se conservan.

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Banksy en Belén 21 de diciembre de 2007

La ciudad de Belén de hoy en día es muy distinta de aquella descrita por la Biblia. La actual está asfixiada por el muro con el que Israel somete a numerosos emplazamientos de Palestina.

Y para intentar que algo cambie, Banksy y un selecto grupo de graffiteros fueron a los territorios ocupados, a pintar obras que luego van a ser subastadas in-situ. De esa forma recaudarán dinero que luego se empleará en proyectos sociales para niños de Belén, y al mismo tiempo, intentarán que se reanude la peregrinación cristiana a la región, vital para la economía local.

A eso se le llama comprometerse por una causa justa.

En esta noticia de El País de hoy se amplía la información y se muestran algunos de los graffitis. Fíjense en el de la niña que cachea a un soldado. Es magnífico, ¿no creen?.

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Con todos ustedes: Chris Scarborough y Nrey 19 de diciembre de 2007

Chris Scarborough, alias Scarboy, es un dibujante y artista digital del sur de los Estados Unidos, especialmente interesante por su dualidad. En su faceta de dibujante parece usar casi exclusivamente el grafito, de forma muy limpia y minimalista, y creo que tiene ciertas influencias de Klimt. Sin embargo, en su faceta de fotógrafo digital altera los retratos para dotarles de una cierta irrealidad plástica. Como si las personas se convirtiesen en muñecos de plástico, de poses forzadas y ojos vidriosos.

NRey es mucho más agresivo y, ejem, photoshopero. Es un artista Ucraniano (de la exótica localidad de Donetsk) especializado en retocar dramáticamente fotografías (habitualmente autoretratos) para hacerlas más impactantes y dramáticas. Aunque tiene página web, la mejor forma de conocer su arte es a través de su galería DevianArt.

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Arminda y la Cueva Pintada 18 de diciembre de 2007

Una de los puntos de interés cultural más importantes de Gran Canaria es la Cueva Pintada de Galdar, que es una especie de museo basado en el enorme yacimiento arqueológico de la Cueva Pintada, de capital importancia en la comprensión del pasado aborigen de la isla.

La visita merece la pena. Es muy entretenida y vistosa, y permite conocer mejor a la fascinante (pero casi desconocida para el público en general) cultura prehispánica de Canarias.

Para que los chavales conozcan un poco mejor esta cultura ha surgido la web armindaylacuevapintada.com. El sitio cuenta como maestra de ceremonias al simpático títere Arminda, que guiará a los chavales en un divertido viaje de descubrimiento de la antigua cultura canaria.

El proyecto fue llevado a cabo por la gente de Mixtura (grandes profesionales y mejores colegas), y el que esto escribe ha tenido la oportunidad de participar en el proyecto desarrollando una pequeña parte del mismo. A ver si aciertan cuál es.

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La plasticidad de las ondas cerebrales

Si uno ve esta galería de imágenes sin saber nada sobre el método usado en la generación de las mismas, podría decir que es arte fractal. Sin embargo, el auténtico origen de estas imágenes son las ondas cerebrales humanas, obtenidas mediante electroencefalograma y procesadas por software para darle esa apariencia.

Para más detalles técnicos, el sistema de generación se explica (de forma bastante confusa) en la página principal del proyecto, BrainPaint.com, y por lo poco que pude entender, realmente usa algo de geometría fractal en el proceso.

Fascinante, ¿no?. No sé muy bien qué saldría si usasen este método con mi cerebro, pero lo que sí sé muy bien es quién podría salir...

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Dumbing down

Toca otro de mis (a veces polémicos) desahogos personales. Ya saben que no tienen que tomármelos demasiado en serio.

Hace poco un colega y profesor me comentaba que dos chicas en edad de acabar su carrera universitaria no pudieron contestar correctamente preguntas como ¿en qué SIGLO tuvo lugar la Guerra Civil Española?, ¿quién fue Adolfo Suarez? o ¿quién conquistó el Everest?. Las excusas de las consultadas fueron cosas como es que nosotras somos más bien de ciencias.

A pesar de que me reí mucho por la forma expresiva en la que me relató el hecho, lo cierto es que esto es preocupante, sobre todo porque no son la excepción: ya saben que en general, existen unas lagunas descomunales en el conocimiento general de los chavales. Los contenidos docentes se simplifican cada vez más para acomodarse a unos alumnos cada vez menos preparados y autoexigentes. Y tal vez no saber quién conquistó el Everest no es un drama, pero bajo mi punto de vista, no saber el siglo en el que tuvo lugar la Guerra Civil a los veintipico años es un síntoma de que vives de espalda a la realidad del mundo: con sólo interesarte un poquillo por la cultura y la sociedad ya es imposible que no conozcas ese dato. Y gente con esas carencias vitales es presa fácil de manipuladores y de dictadores totalitaristas. No vale la excusa de que se es de ciencias, porque no hablamos de academicismo, sino de formación y maduración como persona.

Por si fuera poco, el mismo día en el que me contaron la anécdota me entero por la maravillosa revista Historia y Vida de que los ingleses han decidido quitar de la lista de personajes aconsejados para su estudio académico a Churchill, Gandhi y a Hitler, entre otros. Esto es de locos: Gandhi es posiblemente el mayor compendio de virtudes humanas, Churchill fue un actor fundamental en la liberación de Europa tras la 2ªGM, y Hitler... es estudiando a Hitler como se puede evitar que otro monstruo como él llegue al poder. ¿Qué personajes van a estudiar entonces? ¿A la Camilla? ¿A la Hilton? ¿Al Aznar?

En fin. Ahí queda mi desahogo. Y por cierto, el título del post viene (otra vez) por una canción de Chumbawamba. Traducido viene a ser algo así como atontándonos.

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La ciudad de Sir Norman Foster 9 de diciembre de 2007

Siempre me gustó el Lego. Como cualquier persona, desde que nací hasta este momento, he pasado por muchas etapas en las que he querido dedicarme a una u otra cosa: desde la enseñanza hasta la arquitectura. Esta última área me fue vetada debido a mis problemas con las matemáticas de segundo de B.U.P. Mirando atrás, creo que si hubiese tenido otro profesor la cosa habría sido diferente. Quizá ahora hubiese estado haciendo dibujitos en algún estudio, o no.

Por culpa de esta frustación no puedo evitar sentir admiración por mis amigos arquitectos o estudiantes de arquitectura. Aunque claro, vistas las cosas de fuera siempre se las imagina uno mejor de lo que en realidad son. Como en muchas otras profesiones, la arquitectura no se libra de contar con personalidades destacadas. Tampoco faltan los divos que pretenden crear formas imposibles sin tener ni idea de construcción.

Una de esas personalidades destacadas es Sir Norman Foster. Londres está llena de edificios con la firma de este estudio. Sin tener conocimientos de arquitectura, si tuviera que describir sus obras lo haría utilizando las palabras "impresionante", "con muchos espacios abiertos" y "acristalado".

En España este estudio ha firmado obras como el metro de Bilbao o la futura Ciudad del Motor en Aragón, con forma de avión. Qué pena que no la tengan lista para la Expo.

Nota rosa: está casado con una española, la Doctora Elena Fernández Ochoa.

Transinity

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Sir John Soane

Cuando a uno le nombran Londres le viene a la cabeza el Big Ben, la Torre de Londres, el Museo Británico... Los tópicos más manidos de esta ciudad.
Sin embargo, The Big Smoke, como la llaman sus habitantes, tiene muchas más cosas que ofrecer.
Uno de los últimos descubrimientos con los que me he topado ha sido el Museo de Sir John Soane.
Este buen hombre fue el arquitecto encargado de diseñar el Banco de Inglaterra, entre otros edificios. Su afición por el arte lo llevó a coleccionar incontables objetos por todo el mundo que dejaba en su casa. Llegó a almacenar tantas reliquias que iba comprando los edificios adyacentes para poder guardar todo lo que iba recogiendo por los mundos de dios.
Para unos un expoliador, para otros un claro ejemplo de síndrome de Diógenes, lo que no se puede poner en duda es que una visita a su casa no deja indiferente a nadie.

Transinity

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Con todos ustedes: David Ho y Luis Royo 4 de diciembre de 2007

Otro de mis posts de parejas de artistas. No hay demasiado en común entre los dos que he seleccionado hoy, pero seguro que encontrarán alguna obra que les interese:

David Ho es un magnífico ilustrador y diseñador gráfico, y uno de los creadores que más mimo y elegancia le ha imprimido a su web. De hecho, creo que es una de mis favoritas en este campo. Su estilo es delicado, preciso y elegante, y suele abordar temáticas surrealistas, siniestras y oníricas. no quisiera seleccionar ninguna de las ilustraciones para que sean ustedes mismos los que navegen y escojan las que más les gusta.

Luis Royo es mucho más conocido que el anterior. De chaval me gustaba mucho, pero, sinceramente, sus temáticas repetitivas y típicas me han cansado bastante con el tiempo. Aun así, su técnica sigue siendo espectacular, y probablemente sigue siendo el favorito de los adolescentes para decorar las paredes de sus habitaciones. Como su página oficial es lenta e incómoda, pueden echarle un vistazo rápido a sus creaciones en esta otra galería no oficial.

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Sin permiso, con derecho 3 de diciembre de 2007

Nadie debe perderse la exposición de fotos "Sin permiso, con derecho" que, junto con la muestra de pintura "Yewo Afrik" de Francisco Presa, está expuesta en La Casa de Colón, en Las Palmas de Gran Canaria, justo al lado de la Catedral.

La muestra fotográfica trata sobre la inmigración de africanos hacia Canarias. En efecto, otra exposición sobre la inmigración de africanos hacia Canarias. Pero aunque estemos saturados del tema, hay que seguir reflexionando sobre lo que supone este dramático fenómeno, y de vez en cuando sacudir un poco nuestras consciencias para no dormirnos ante la rutina de las noticias. Ver esta exposición es una forma excelente de hacerlo. A mí, personalmente, me impactó profundamente la imagen de una mujer que llora frente una lápida que pone, simplemente, "Inmigrante n.8"

Además es gratis, así que no tienen excusa. Está hasta el día 14 de diciembre del año que está acabando.

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Y el mundo, tras el cristal...

Passing By es una de las webs más hermosas y poéticas que he visto nunca. De esas que nos recuerdan que, a pesar de tanta estupidez 2.0, el net.art aún existe.

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La evolución del hombre, en un graffiti 26 de noviembre de 2007

Pues eso mismo: un graffiti bastante espectacular, para seguir zanjando eso de que si es simplemente vandalismo o a veces puede ser arte.

Via i-am-bored, que a su vez lo sacó de blublu.org.

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Más posters de propaganda

Hace ya tiempo que escribí aquí un par de posts sobre pósters de propaganda soviética y de la Guerra Civil Española.

Para los que les interesa el tema, en el sitio Oddee publicaron hace ya tiempo una selección de rarezas del arte propagandístico, que van desde los siniestros carteles aleccionadores nazis hasta una (también bastante siniestra) campaña sueca en contra del euro de hace unos pocos años. Algunos diseños no tienen desperdicio.

Todo esto me recuerda que dentro de poco volveremos a ver todas las calles inundadas de carteles horribles de tipos enchaquetados prometiendo cosas. Que espanto.

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Dos palabras escritas a tiza 5 de noviembre de 2007

Hay algo escalofriantemente tierno y hermoso en esta imagen.

Otros graffittis especialmente inspirados aquí (via DarkRoastedBlend, como de costumbre)

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El universo oscuro de Giger 25 de octubre de 2007

Creo que a H.R. Giger le encantaría el post anterior a éste.

Hans Rudi Giger es un artista suizo conocido por sus siniestras e inquietantes ilustraciones hechas con aérografo. La notoriedad internacional le vino por sus diseños para la película Alien (que le proporcionaron un Oscar) y por su concepción visual del famoso videojuego DarkSeed. Es el artista favorito de chavales góticos, jóvenes cyberpunk y adoradores de la CiFi. Hasta yo mismo pasé, cuando era joven, por mi fase de adorador de Giger y Luis Royo. Ahora me he vuelto más decadente y adoro a los futuristas soviéticos, el ArtDeco y los Mortadelos de los años 70.

Pero a lo que vamos: este post viene a cuento de que la semana pasada Giger estuvo por España para inagurar una exposición retrospectiva de su obra en la Universidad Politécnica de Valencia, que incluye la cabeza original del Alien. Estará hasta el 5 de diciembre, así que los afortunados peninsulares que no tengan que pagar un billete de avión para salir de una isla no deberían perdérsela.

Si quieren conocer un poco más la obra de Giger, aquí hay una estupenda página con muchas de sus ilustraciones. Si quieren ir a tiro hecho, ésta es una de sus obras más famosas (y tal vez mi favorita).

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Hoy, Giancola y Caesar 24 de octubre de 2007

Parece que de un tiempo a esta parte siempre que pongo enlaces a galerías webs de ilustradores lo hago a pares. Pues aquí tienen los de hoy:

- Donato Giancola. Estilo algo academicista, claramente influenciado por los decimonónicos ingleses. Gustará mucho a los aficionados a lo artúrico y romántico. Ha realizado ilustraciones para Magic: The Gathering. Tiene una pequeña sección de técnica que puede serle útil a los que estén empezando en esto del pincel y el óleo.

- Ray Caesar. Muy naïf y depurado, impregna sus ilustraciones con un cierto toque perverso, erótico y onírico.

Merece la pena sumergirse un rato en las imágenes de estos tipos. Seguro que encuentran alguna que les gusta.

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El arte subconsciente de la supresión de Graffitis 22 de octubre de 2007

Una de las películas más curiosas que he visto en mi vida fue el soberbio documental de Matt McCormick The Subconscious Art of Graffiti Removal.

En él se analiza (y de hecho se define como tal) el arte de la eliminación de graffitis públicos. Me explico: saben que, especialmente en los centros urbanos, los graffitis acaban antes o después cubiertos por capas de pintura que intentan restablecer el aspecto original la fachada o pared en cuestión. Casi siempre el color usado en el proceso no es exactamente igual que el de la superficie original, y casi siempre se cubre sólo el área necesaria para ocultar el graffiti.

En consecuencia: tras la eliminación del graffiti queda en la pared una superficie coloreada diferenciada y reconocible, cuya forma suele dependener de la técnica del eliminador (a menudo un empleado del ayuntamiento) y que dependiendo del contexto pueden modificar la capacidad expresiva o emotiva del lugar. Eso, sin lugar a dudas, es arte. Subconsciente, dado que en general el creador no persigue la creación de una obra (más bien la destrucción de otra), pero no deja de ser arte. Y es una forma bastante original de arte, dado que más que comunicar, perseguía inicialmente impedir la comunicación del graffitero original, pero al hacerlo crea en sí misma un canal de comunicación.

El documental hace una taxonomía de las distintas formas de suprimir graffitis (a base de rectángulos superpuestos, repasando las líneas, grandes superficies regulares...), y realiza unas cuantas reflexiones que oscilan entre lo irónico y lo trascendente.

Si les interesa la propuesta, el documental estaba no hace mucho en la mula. Está maravillosamente narrado (eso sí, en inglés) por Miranda July.

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Inspiraciones victorianas 8 de octubre de 2007

Siempre me ha parecido que la estética de la revolución industrial es una maravillosa fuente de inspiración para la creación visual. Y como no soy, ni mucho menos, el único que lo piensa, aquí tienen un par de enlaces a ilustradores con mucha imaginación y capacidad visionaria, que usan distintos aspectos de aquella época en sus obras.

- Keith Thompson. Especialista en el estilo Steampunk, que viene a ser algo así como una mezcla entre la imaginería victoriana-industrial y Mad Max.

- Mia Mäkilä. Especialista en imágenes que dan muy mal rollo. Surrealismo pesadillesco, collages y fotografías de finales del XIX.

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Más propaganda de tiempos turbulentos 4 de octubre de 2007

Hace unas cuantas semanas dediqué un post a un magnífico sitio dedicado a los pósters de propaganda soviéticos.

A modo de complemento, aquí tienen un repositorio de carteles de propaganda republicana de la Guerra Civil, que forma parte de un sitio cultural llamado "El canto del búho". La página es algo más casera y parca en información que la de carteles soviéticos, pero incluye algunas obras realmente míticas, como el que has fet per la victòria? de Lorenzo Goñi o el Aidez Espagne de Picasso.

Es una lástima que las imágenes no tengan una resolución como para imprimir pósters, pero en cualquier caso, es un gran trabajo de recopilación y documentación de un material excepcional. Navegando por esas imágenes uno llega a emocionarse por unos tiempos en los que los ideales de justicia, igualdad y cambio social aún movían masas. Hoy mueven masas la Hilton y la Spears.

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Los maestros de la propaganda política 4 de septiembre de 2007

Ya saben que el régimen soviético de la antigua URSS tenía alguna que otra cosilla bastante discutible: censura, gulags, deportaciones en masa, autoritarismo estalinista, genocidios... no fue precisamente el paraíso de los trabajadores que prometían en la Revolución de Octubre.

Pero hay que reconocer que durante aquellos largos y oscuros años se desarrolló un fantástico repertorio de carteles de propaganda política. Arte y diseño al servicio del Soviet, apelando a las mismísimas entrañas patrióticas de los humildes camaradas. Hubo gente realmente buena trabajando en esta materia, y emplearon algunos conceptos que hoy en día siguen impartiéndose en las academias de arte.

No es nada facil encontrar reproducciones de calidad de aquellos carteles, por eso es todo un descubrimiento este blog de carteles de propaganda soviéticos. Con cada cartel ponen un pequeño comentario y la resolución de las imágenes, sin ser adecuada para imprimir a gran tamaño, puede valer para formatos moderados. No se pierdan éste, éste ni éste cartel. Soberbios, ¿no?.

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Pósters y carteles: el lado subestimado del cine 28 de agosto de 2007

El arte de los carteles para películas se ha adaptado a los cambios en las modas y las artes plásticas a lo largo de los años: de los artesanales pósters con óleos y acrílicos de los años 40 y 50 a los delirios geométricos-formales de los 60 y 70. Recientemente, el tratamiento digital de la fotografía domina casi por entero el panorama. Aunque hay mucha metralla en la producción contemporánea (y más aún en los 80, si recuerdan), de vez en cuando se ven algunas obras maestras como este maravilloso poster de la nueva película de Shekhar Kaput sobre la reina Isabel de Inglaterra.

En definitiva: se trata de una actividad creativa bastante poco valorada, pero que despliega una gran imaginación y que puede influir bastante en la percepción del público hacia una película.

Pues rebuscando un poco por la web topé con la página Internet Movie Poster Awards, que recopila lo más interesante de la creación de carteles para películas y otorga diversos premios. Lo mejor es que se pueden visualizar a un tamaño bastante decentito, y que puede servir para descubrir algunas rarezas dignas de admiración. Lo peor es que el diseño de la página es atroz, tanto por estética como por usabilidad.

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Nunca es sólo un sueño 25 de agosto de 2007

Siempre me ha interesado el tema de los sueños. No solo por ser una fuente inagotable de inspiración y emociones: también es una especie de realidad alternativa que pocas veces valoramos en su justa medida. Al fin de cuentas, pasamos mucho tiempo soñando todas las noches (otra cosa es que no todo el mundo lo recuerde), y durante ese tiempo, vivimos en una "realidad" (porque, mientras soñamos, el sueño es la realidad) imprevisible e ilimitada. Como dice Neil Gaiman, es sorprendente que nos adentremos con total tranquilidad todas las noches en este estado tan vulnerable y en el que puede suceder de todo. Y hay por ahí algunos temas fascinantes, como los sueños lúcidos o la interpretación onírica, que merecen por sí mismos un post. Ya saben lo que se suele decir: nunca un sueño es sólo un sueño.

Y centrándonos un poco más en el propósito original de este post, querría mencionar el maravilloso proyecto de Leonardo Solaas: Dreamlines. Se trata de una web (requiere tener instalada la tecnología Java) que, a partir de unas palabras clave introducidas por el usuario, genera una especie de "sueño": una imagen ambigua, eternamente cambiante, desdibujada y específica para cada usuario, en la que se fusionan de distinta forma las imágenes relacionadas con los términos introducidos por el usuario.

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El amor y Annie Leibovitz 21 de agosto de 2007

En un documental que ví recientemente sobre Annie Leibovitz narraron la historia tras la famosa portada de Rolling Stone en la que aparecen Yoko Ono y John Lennon.

La historia es conmovedora. Al principio, durante la sesión, la fotógrafa y los fotografiados sopesaron la posibilidad de que fuese Yoko Ono la que apareciese desnuda. Sin embargo, Annie sugirió que fuese John el que apareciese desnudo, abrazado a ella, que estaría totalmente vestida. Al ex-beatle le entusiasmó la manifestación de amor que reflejaba la idea. No le importaba mostrar a todo el mundo su enorme vulnerabilidad, su absoluta entrega a otra persona. Estaba enamorado.

A las pocas horas de la sesión, John Lennon fue asesinado. Rolling Stone publicó la foto sin ningún tipo de titular.

Tengo que reconocer que contemplar la portada, conociendo la historia, me sigue dando escalofríos. Dejando de lado los criterios estéticos y puramente fotográficos, los hechos parece que se confabularon con el inmenso talento de la fotógrafa para convertir el drama de un asesinato en una proclamación grandiosa del amor puro, proporcionándole a Lennon el retrato final perfecto para su intensa vida. Quien sabe si, de alguna forma inconsciente e inquietante, el músico sabía que tenía que despedirse como había vivido: siendo una inspiración.

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La definición de McCloud 23 de julio de 2007

Sigo con mi particular serie de posts relacionados con el arte. Ayer leí la magnífica (aunque, como casi todo, discutible) definición que hace el grandísimo Scott McCloud de arte, que es la que sigue:

Arte es toda actividad humana que no contribuye directamente a:
a) La supervivencia
b) La reproducción

Por supuesto, un primer argumento en contra podría ser que hay quien se dedica al arte para subsistir (por ejemplo, un pintor). Como contraargumento se podría contestar que es distinto subsistencia que supervivencia: el pintor no hace arte sólo para no morir de hambre. Y uno también diría que hacer el amor puede ser una forma de arte. Pero, análogamente a lo anterior, hacer el amor no suele perseguir sólo la reproducción: es la búsqueda del placer, una manifestación física del amor, etc. Algo parecido ocurre con el arte de cocinar.

En cualquier caso, aunque uno pueda no estar de acuerdo con esta definición, quería ponerla aquí porque me parece una de las más originales que he visto, y que desde luego da pie a muchas reflexiones sobre la esquiva naturaleza del arte.

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El señor Louie y el señor Mullins 20 de julio de 2007

Otro post sobre arte y artistas, que parece que está convirtiéndose en mi tema favorito este mes. Creo que conozco el motivo subyacente, pero permítanme reservármelo.

He aquí dos páginas de artistas colosales y muy originales, que ponen sus obras en la web para disfrute y regocijo del público:

- Travis A. Louie. Técnica asombrosa y obras muy, muy originales. Su motivo favorito es la imitación de la textura fotográfica de principios del siglo XX introduciendo elementos fantásticos o extravagantes, y algunas de sus pinturas dan una extraña mezcla de mal rollo, melancolía y sentido del humor. No se pierdan su sección de enlaces, con galerías a otros grandísimos artistas.

- Craig Mullins. Uno de los grandes maestros del híbrido tradicional + photoshop. Mucho diseño conceptual. Ha hecho cositas para el cine, la tele, los videojuegos...

Lástima que en ambos casos el diseño de la web que soporta las obras sea atroz. No les vendría mal algunas nociones básicas de HTML, CSS y otras cosas por el estilo.

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¡Claro que es arte! 15 de julio de 2007

En mi soberbia pensaba que, por el mero hecho de tener una tebeoteca bastante decente, haber leído diversos autores y estilos, tener unas cuantas opiniones formadas, y haber leído el "Comics y el arte secuencial" de Will Eisner, ya entendía un poco de comics.

Hasta que leí "Entender el cómic: el arte invisible", de Scott McCloud. Es un ensayo profundo sobre los cómics, contado -como no podía ser de otro modo- en forma de tebeo. Analiza, entre otras materias, los procesos (conscientes o no) que se activan en la mente al leer un cómic, cómo los artistas utilizan los recursos propios y únicos que ofrece el medio para lograr diversas emociones en el lector, o la influencia de las particularidades de cada cultura (europea, americana, japonesa...) en la obra. En ese sentido, es bastante reveladora su disertación sobre cómo las características tradicionales del arte oriental o toda la cultura asiática se ven reflejados en el manga. Cualquier lector de cómics, sea cual sea su veteranía o su estilo favorito podrá ampliar sus conocimientos y capacidad crítica con esta obra, y descubrir que este mundo es aún más complejo y rico de lo que suponía. Tal vez incluso podrá descubir una forma completamente nueva de leer y disfrutar los tebeos.

Pero como es habitual en un estudio teórico sobre los cómics, en sus primeras páginas se habla del mayor problema que sufre este medio: su dignificación. El público en general identifica los cómics con los cómic-books de superhéroes, y a la gran mayoría de la gente no se le pasa por la cabeza que este medio pueda tener el mismo valor artístico que el cine, la música o la literatura. Esto es una triste realidad, pero obras como la de McCloud pueden hacer mucho para eliminar esta nefasta percepción. Lástima que, pasados 15 años ya de la publicación de este libro, siga siendo un gran desconocido entre los aficionados.

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Varcárcel 10 de julio de 2007

Reconozco que no tenía ni idea de quién era Isidoro Varcárcel Medina hasta que leí hace poco un artículo retrospectivo de Javier Rodríguez Marcos con motivo de su presencia en una exposición colectiva en el MACBA.

Este veterano artista conceptual presentó en septiembre del año pasado una performance en la que, durante 9 días, estuvo pintando de blanco una pared blanca. Y con un pincel del n.8, es decir, de los de acuarelas. El acto se encuadra en su larga reflexión sobre la naturaleza del arte y su faceta más mercantilista. Resulta curioso y digno de reflexión que una vez una importante fundación rechazó una propuesta artística suya simplemente por la cantidad que pedía: 6 €. La fundación dijo que sentaría un mal precedente.

En una nueva vuelta de tuerca sobre la relación entre arte y dinero, el Reina Sofía le invitó a presentar un proyecto. Él dijo que para llevarlo a cabo necesitaba las cuentas del museo, incluyendo pagos a artistas, transportistas, aseguradoras, etc. El museo se negó en rotundo. El artista, considerando que debía ser información pública, apeló a diversos estamentos judiciales. La obra resultante, dice, es el surrealista intercambio de correspondencias durante el proceso.

En conclusión: según su filosofía, cuando una institución o particular compra cualquier cosa que haga un artista, éste debería hacer algo precisamente para que no le compren. Para escapar.

Se puede estar de acuerdo o no, y desde luego la discusión sobre el mercantilismo artístico y la prostitución del artista data de hace décadas, pero siempre es refrescante oir a un tipo que ha renunciado al éxito y el dinero sólo por conservar su coherencia como creador.

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Net.art. El concepto y la anécdota 9 de julio de 2007

Hablando hace poco con una amiga me comentó que no sabía qué era eso del net.art. Esto no me habría llamado la atención (casi nadie sabe lo que es) si no fuera porque la chica es artista y diseñadora gráfica. Tiene pinta que hay una legión de gente muy creativa y con talento que aún no se ha asomado a la forma de arte que tal vez más se relaciona con la sociedad actual. Espero que esto cambie pronto: hay que difundir la palabra del net.art.

Según la wikipedia, net.art designa las prácticas artísticas que apuntan a una experiencia estética específica de internet como soporte de la obra, y señalan o desarrollan un lenguaje característico. Pero como el propio arte, es casi imposible ofrecer una definición satisfactoria de net.art. Yo me atrevería a decir que es un tipo de arte que usa internet como soporte principal, exprimiendo las potencialidades específicas de presentación, difusión y generación colectiva que ofrece esta herramienta.

Precisamente en el término colectivo creo que está el meollo del net.art. Creo que el gran salto que supone el net.art frente a otras disciplinas artísticas recientes (videocreación, por ejemplo) consiste en usar a los navegantes (que cada vez más equivalen al conjunto de la sociedad occidental contemporánea) para la generación y/o el discurso de la misma obra, ya sea reinterpretando la información pre-existente en la web o basándose en la participación activa de los participantes (que no espectadores) de la pieza.

Si alguien no conocía esto del net.art y quiere empezar a investigar un poco, le aconsejo paciencia, porque es un mundo heterogéneo y confuso. Un ejemplo de pieza de net.art (al menos bajo mi punto de vista) sería el ya clásico wefeelfine.net (en efecto, su enlace lleva meses en la parte derecha), y potatoland es un pequeño pero curioso repositorio de piezas. Para seguir profundizando, ahí están Google y el Directorio.

Y ahora, la anécdota. El nombre de net.art se acuñó en 1995 por Vuk Cosic, que es un artista especializado en el arte mediante caracteres ASCII. Una de sus obras más conocidas es el remake con código ASCII de la peli porno Garganta Profunda (!!!). Pues resulta que este tipo recibió un buen día un correo electrónico que, por un error de formato, presentaba el aspecto de un batiburrillo de caracteres sin sentido. Pero entre la sopa de letras se podía distinguir el siguiente pasaje:

J8~g#|\;Net. Art{-^s1

El Cosic este quedó impresionado: la red, casi en un acto consciente, le había proporcionado un nombre para sus actividades. Al reformatear correctamente el mensaje, resultó que el misterioso pasaje decía algo así:

...All this becomes possible only with the emergence of the Net. Art as a notion becomes obsolete...

Que a pesar de no decir nada del otro mundo, dio nombre a toda una nueva forma de expresión artística.

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Descubriendo los albores del arte fotográfico 19 de junio de 2007

El estado actual del arte fotográfico, con la incorporación (y aceptación general) de las técnicas de manipulación digital, es realmente apasionante. Además es una disciplina que se ha democratizado mucho: con una cámara normalita y unos conocimientos razonables de Photoshop, mucha gente hace hoy en día cosas fabulosas sin necesidad de mucha formación o equipo. Pero también puede ser fascinante navegar por fotos realmente antiguas, y no sólo por su innegable encanto estético: uno puede emocionarse al contemplar imágenes congeladas de un tiempo inexistente desde largo atrás.

Todo esto viene a cuento por lo siguiente: hace años trabajé durante unos cuantos meses en la Fundación FEDAC de Las Palmas y hoy en día sigo colaborando profesionalmente con ellos esporádicamente. Como parte de sus actividades realizan la gestión, conservación y publicación de un inmenso fondo de fotografías antiguas, principalmente de Canarias pero con material de otras regiones y países. Pueden acceder al fondo de fotografías desde aquí. Mi participación en este proyecto consistió en el desarrollo del buscador y del museo virtual de fotógrafos.

Les aconsejo que navegen libremente por los distintos temas en los que se categorizan las fotos. Entre los resultados pueden aparecer fotografías curiosas, divertidas, sorprendentes o incluso fascinantes, ya sea uno de Canarias o no. Como prueba, observen esta o esta otra foto.

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