Un proyecto artístico con ese nombre no puede ser malo, ¿verdad?
En realidad, es algo tan simple como hermoso.

¿Y en qué consiste? Veamos qué dicen sus autores:

Permite que nuestra declaración te informe,
pero siéntete libre para olvidarlo todo,
y simplemente disfrutar del mensaje.

Que este proyecto sea lo que sea para tí.

Pues eso.

Ahora que estamos en los albores de las polémicas Olimpiadas de Pekín, es buen momento para pensar en un elemento algo subvalorado de estos eventos: su imagen gráfica. A pesar de que no siempre se valora su importancia, hacer el diseño final del cartel o el logo de unos Juegos Olímpicos es uno de los sueños de cualquier creativo: miles de millones de personas tendrán los ojos puestos en tu obra.

Com oestas creaciones también son un símbolo de la moda y las tendencias del momento, esta recopilación de todos los carteles de los juegos olímpicos, desde Atenas 1896 hasta Londres 2012 es bastante interesante por muchos motivos, y merece la pena echarle un vistazo. A mí siempre me han gustado los minimalismos de Moscú 80 y Tokyo 64, aunque las pinceladas Art-Nouveau de Estocolmo 1912 tienen mucho encanto.

La pieza de videocreación Beauty Kit for little girls la ví hace un tiempo en algún festival de cine difital (creo que fue en el difunto y añorado Resfest), y me llamó mucho la atención. Se trata de otra reflexión sobre la cultura de la belleza y las exigencias de imagen que se imponen en la sociedad ultracompetitiva y exagerademente frívola de los Estados Unidos (y, en menor medida, aquí en Europa), pero realizada con una estética acojonante y con esa gracia típica de los nuevos videocreadores digitales.

Advierto: puede ser un poquillo impactante.

Charlie Todd creó en el 2001 el colectivo Improv Everywhere, que se dedica a organizar tinglados artistico-conceptuales en sitios públicos, con el objeto de desconcertar a la gente que pase por ahí y obtener un efecto surrealista y/o estético en un contexto cotidiano. La difusión de los vídeos resultantes por blogs y paginillas sociales les ha otorgado cierta fama, lo que les permite afrontar acciones cada vez más vistosas.

Una de sus misiones más famosas fue la de "congelar" simultaneamente a un montón de personas (aparente normales e inconexas, pero en realidad compinches del tinglado) en la Grand Cental Station de Nueva York. Aquí tienen el tubo del evento.

Y hace poco montaron una de sus actuaciones más desconcertantes y asombrosas. Más que explicarles en qué consistía, mejor véanla ustedes mismos. En la web del colectivo hay muchos más vídeos.

Donde otros ven un cristal en el que se podrían plantar papas, Scott Wade ve un lienzo con el que sólo hace falta un dedo para ejecutar una pequeña obra maestra.

Con todos ustedes, la Scott Wade's Dirty Car Art Gallery.

Ritxi Ostáriz, de Bilbao, es el autor de una pequeña pieza musical inspirada en el Día de los Muertos de México, y que puede ser vista en el sitio VivaCalaca.com. Échenle un vistazo, que merece la pena.

Uno de los proyectos artísticos más bonitos que he visto últimamente es Tree Drawings, de Tim Knowles. A este hombre se le ha ocurrido acoplar artefactos de dibujo a las ramas de unos árboles y acercarles un lienzo. El viento hace el resto: pasado un tiempo, en la superficie aparecen motivos pintados por los árboles. Aunque los resultados pueda no ser demasiado espectaculares, el concepto de la obra es poético y emotivo.

Más info en la página del artista, en donde encontrarán otras interesantes exploraciones de la interacción entre plástica y naturaleza.

Jackson Pollock es uno de esos artistas de principios del siglo XX cuyos cuadros alcanzan cifras absurdas en las subastas, pero que mucha gente, al verlos, piensa "eso es feo de cojones". Si no saben de quien hablo, vean aquí uno de sus cuadros más conocidos (hay más en la magnífica web CiudadPintura)

Pero a lo que vamos: si quieren pintar sus propios Pollocks, tienen el juguete interactivo JacksonPollock.org, que funciona simplemente meneando el ratón a distintas velocidades y haciendo click de vez en cuando. Luego lo guardan (por ejemplo, capturando la pantalla con ImprPant), lo imprimen, y le dicen a sus colegas que es una reinterpretación de Pollock a cargo de un artista conceptual escandinavo invitado por la trienal de arte de Ayacucho, en Paraguay, y así quedan muy modernillos.

Si alguien me preguntase: ¿qué creación artística te gustaría parir algún día?, una de mis posibles respuestas (depende del día en el que me pillen) podría ser:

- Sería un cómic, porque considero que es una de las formas de expresión más complejas, poderosas y flexibles que existen.
- Debería provocar algún tipo de reacción emocional intensa. Tal vez incluso varias, como la melancolía y el humor.
- En una asombrosa torsión del concepto de cómic, tendría sólo una viñeta, y sacaría provecho de las posibilidades que ofrece el concepto viñeta.
- En el argumento debería estar presente el amor en alguna de sus variantes, por ser uno de los vehículos más potentes para los sentimientos, pero sin caer en el empalague o el tópico.

Pues resulta que el grandísimo creador Randall Munroe lo hizo hace unos pocos días: aquí tienen el resultado. A mí, al menos, esa viñeta me parece una cosa prodigiosa.

Leo hoy en El País una reseña a una instalación artística realmente fascinante. Al menos, conceptualmente.

Resulta que a la prestigiosa artista France Cadet (a quien se le puede ver por chiringuitos de peso, como el Ars Electronica, el EXIT o el ARCO) le dio en el 2004 por montar unos PCs en los que la gente podía echar unas partidas al famoso videojuego de mata-mata Quake III Arena. Pero con un matiz fascinante: para controlar al jugador el usuario debe acariciar suavemente una bola negra que tiene delante. Con ternura. De lo contrario, el personaje no se moverá ni disparará adecuadamente. El invento se llama SweetPads.

Haciendo daño a través de la ternura y el cariño. Puede sonar contradictorio, pero en el fondo, ¿no ocurre muy a menudo?

Me descubro ante Vd, Srta. Cadet.

En abril de 1937, la Legión Condor (pilotos y aviones Nazis al servicio de Franco), lanzó toneladas de explosivos sobre la población indefensa de la ciudad de Guernica. La horrorosa devastación que resultó de tan repugnante acto fue la inspiración de la obra cumbre de Picasso: el Guernica.

El Guernica es un cuadro visceral, desgarrador, y merece contemplarse con el corazón y las vísceras. Por eso, tras conocer el contexto en el que se creó, esta exploración tridimensional del cuadro que acaba de realizar Lena Gieseke puede llegar a ser realmente conmovedora.

Por alguna razón, las nubes siguen cautivando la imaginación de quien las contempla. Y es una sensación maravillosa acercarse a estos esquivos y efímeros entes. Por eso me encanta esta galería fotográfica de nubes atrapadas en bosques. Poesía pura.

Y no se queden ahí: échenle un vistazo a otros proyectos de este hombre, porque es bueno.

Cuando se tiene un alma artística, aflora donde sea.

Me acabo de enterar por Grow-a-Brain que algunos agricultores japoneses combinan, con una maestría colosal, granos de arroz de dos tipos para crear hermosísimos y efímeros cuadros que sólo se pueden apreciar en todo su esplendor desde el aire. Es tan bonito que da escalofríos.

Aquí tienen una foto del cultivo, y aquí la secuencia completa de cómo el arroz crece y madura.

Siempre me han gustado el estilo tradicional chino (similar, con matices, al japonés) de pintar la naturaleza, con ese uso sutil de las distintas densidades de tinta y los espacios vacíos.

¿Que pasa si aplicamos esa forma tan peculiar de pintar a una superficie distinta al papel, como puede ser el cuerpo humano? Pues que tenemos un enfoque totalmente nuevo del body-painting.

Uno de los artistas más conocidos en este campo es Seyi Wujian. Esta galería es una excelente muestra de su trabajo. Y no estoy seguro si estas otras pinturas también son de Wujian, pero son preciosas.

Ojo: en ambas galerías hay chicas desnudas (pintadas, pero desnudas), así que cuidado si tienen al jefe revoloteando por ahí detrás.

A veces, en aras de evitar ofender a ciertas minorías, se cae en la estupidez y, peor aún, en el oscurantismo.

Hace un par de semanas el metro de Londres decidió censurar el cartel de una exposición sobre Lucas Cranach El Viejo, a punto de inagurarse en la Royal Academy of Arts. Según ellos, porque "todos los días millones de personas viajan en Metro, y tenemos que procurar no ofender a nadie"

Vean el cartel.

Sí, claro, la dama está en pelotas. E incluso luce una sonrisa picarona. Pero, ¿es ofensivo? Podrá haber algún talibán-mormón-ultraevangelista que se asombre de ver el pubis de la Venus, pero la opinión particular (y no representativa) de una ínfima minoría no puede forzar la censura de un cartel cuando éste se publica en el contexto de una sociedad occidental, moderna y tolerante, y cuyos valores consideran aceptables dicho material. Siguiendo este perverso principio de la no-ofensa para absolutamente todo el mundo, si yo tengo una pulsión sexual con la pasta de dientes (hay cosas mucho más raras), tal vez podría encontrar ofensivos los anuncios de Colgate, pero imagino que no van a retirarlos por ello.

Disculpen mi pataleta, pero hay pocas cosas que aguanto menos que el oscurantismo envuelto en respeto cultural. Porque si una entidad pública censura por ofensivo un simple desnudo artístico con 500 años de antiguedad, ofende a todos los ciudadanos a los que representa.

Creo que las tres o cuatro primeras décadas del siglo XX fueron las más interesantes en las artes visuales tradicionales. Y entre las corrientes artísticas surgidas en aquella época, el Art-Deco es una de las que más suelen gustar, gracias a la pureza y armonía de sus líneas. También por su flexibilidad, que permitió aplicar eficazmente sus principios a campos como la publicidad.

En esta página, por ejemplo, se han recopilado diversas muestras del Art-Deco aplicado a los carteles publicitarios, junto con muchos otros diseños más o menos contemporáneos. Algunos pósters, como los de Cassandre, son ya clásicos indiscutibles de las artes visuales.

Uno de los castillos más famosos del mundo es el de Neuschwanstein, construido por Luis II de Baviera, El Loco. Tal y como pone en su artículo de la Wikipedia, fue concebido en un tiempo en el que ya la funcionalidad bélica y estratégica de estas estructuras eran prácticamente inexistentes. El castillo, por tanto, fue sólo la fantasía romántica de un excéntrico, y de ahí que haya inspirado a equivalentes fantásticos y literarios. Por ejemplo, sirvió de modelo para el castillo de la Bella Durmiente del parque Disneyland de Florida. No me imagino la desolación del pobre Luis si levantase la cabeza y viese cómo su obra es la atracción central de uno de los sitios más horterillas sobre la tierra...

Pues si este castillo es impresionante, imagínense si se hubiese llegado a construir su sucesor: el castillo de Falkenstein, cuyas obras se paralizaron al morir Luis en 1886. Vean esta impresionante reproducción de cómo habría sido el edificio una vez finalizado.

Hay algo que tengo claro: de haberse construido, ahora mismo estaría comprando unos billetes de avión para ir a visitarlo, debidamente acompañado. Pero como no es así, tendré que seguir pensando en volver al que para mí el edificio más fascinante y romántico sobre la tierra: la Catedral de Salisbury.

En la portada del sitio SpaceCollective se dice que mentes avanzadas intercambian ideas e información sobre el estado de las especies, su planeta y el universo, viviendo las vidas de la Ciencia Ficción hoy. El eslógan (o algo así) del sitio es El futuro de Todo

En realidad no es así: el sitio parece más bien un repositorio de piezas de net-art, posts con mucha carga visual y/o reflexiva, proyectos colaborativos y divagaciones personales. Pero con paciencia y sin buscar nada en concreto se pueden encontrar cosas muy interesantes.

En su anárquica galería de imágenes (de fuentes y temas aparentemente inconexos) se pueden encontrar verdaderos hallazgos visuales.

Hay gente muy buena por ahí, haciendo cosas tremendas, que apenas reciben reconocimiento:

DollFace es un pequeño vídeo infográfico con una calidad visual extraordinaria, acerca de la persecución del ideal de belleza y sus consecuencias. Muy inquietante.

Bendito Machine es una curiosa obra metafórica, con una estética muy interesante. Casualmente, el diseño de la máquina del principio es muy parecida al diseño de un cartel que hice hace ya unos cuantos años para un proyecto que abandoné por falta de tiempo.

Ya dije aquí una vez que me fascinan las ilustraciones de los libros de más de un siglo de antiguedad, especialmente las hechas con las técnicas de la litografía y la xilografía. Muy a menudo las incorporo a mis trabajos de diseño gráficos, y suelen quedar estupendas con un poco de post-proceso y alteración.

Y a quien también le interese todo esto probablemente le será util la página oldbookillustrations.com, donde se ofrece al visitante un buen puñado de ilustraciones antiguas, escaneadas a una resolución aceptable. No del todo satisfactoria, pero aceptable.

Hace un tiempo descubrí una historia que me parece conmovedora.

Resulta que en algunas calles de Pekín se pueden ver ancianos que escriben reflexiones más o menos filosóficas en el pavimento de la calle. Hasta aquí todo normal: los "poetas urbanos" que escriben en el mobiliario público existen en casi cualquier gran ciudad europea. Pero en este caso hay una diferencia sutil, pero trascendental: estos ancianos chinos escriben con agua. Esos preciosos Kanjis se quedan impresos en las baldosas hasta que, en poco tiempo, se evaporan sin dejar rastro.

Hay muchas implicaciones en el simple cambio de la tinta por el agua: en primer lugar, la intención del autor. No es una búsqueda de trascendencia o protagonismo, como sería el usar tinta, es sólo difundir un pensamiento cuya impresión desaparecerá pronto, como lo hará el propio pensamiento que dio lugar al mensaje. También refleja un enorme sentimiento de armonía con el entorno, que no se ve alterado de ninguna forma permanente con la difusión del mensaje. E incluso podemos ir más allá y relacionar esta escritura con la infinitud de la naturaleza y el tiempo, porque, en un espacio reducido, el autor puede escribir indefinidamente, sin preocuparse de las dimensiones de su parcela.

Realmente hay poesía tanto en lo que transmiten como en cómo lo transmiten.

Aquí tienen el artículo en el que descubrí todo esto.

¿Qué pasaría si juntásemos a Susan Sarandon, un novio suyo muy correcto, un travesti que desea ser como el Doctor Frankestein, dos extraterrestres, a Meatloaf, a una petarda histérica, a un investigador y al medio cerebro de un delicuente?

Pues que tendríamos ante nuestros ojos The Rocky Horror Picture Show. Copio lo que dice la Wikipedia: es una película dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show de Richard O´Brien. Se trata de una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N' Furter que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.

Mi opinión: es una obra de arte. Aunque la última parte de la película me parece un poco psicodélica. El personaje principal (el Doctor Frank N' Furter) tiene una personalidad de esas que no pasan desapercibidas. Además de su atuendo... que no es nada habitual para la época. Las canciones son increíbles e invitan a bailar y a soltarse uno la peluca (para los peninsulares/as: desmadrarse). Mis favoritas: Time Warp y Sweet Transvestite, que sirve como presentación de nuestro querido Doctor Frank N’ Furter. También podemos ver una jovencísima Susan Sarandon haciendo de niña buena que más tarde se suelta la melena, junto a su correctísimo novio, encarnado por Barry Bostwick, a quien hemos visto de alcalde de Nueva York en la última serie de Michael J. Fox.
La única pega que tiene la película para los hablantes de español es que no ha sido doblada. Únicamente puede disfrutarse en VO o con subtítulos. Pero merece la pena.

Para los valientes que la vean: el Time Warp es fácil de bailar.

Transinity

Aunque haya mucha mediocridad en el urban art (especialmente en lo que a Graffitis se refiere), hay muchas obras realmente soberbias. Y si no, examinen esta selección que publicó Ekosystem (un sitio dedicado a estas cosas) y que encontré via ... no sé, supongo que DarkRoastedBlend o algún superblog de esos.

El Voynich es un manuscrito que parece sacado de uno de esos libros que tratan temas pseudo-histórico-religiosos-masónicos-templarios-conspiratorios a lo Código Da Vinci y similares.

Pero existe en realidad, y su misterio comenzó con su creación, hará unos 500 años. Se trata de un libro ilustrado, de contenidos desconocidos, escrito por un autor desconocido en un idioma desconocido que sólo se usa en este documento, y que por tanto se ha bautizado como idioma voynichés.

Uno de los aspectos más fascinantes del documento es, precisamente, su idioma. El que ningún experto en criptografía o lingüistica (entre otros, los grandes gurús que trabajaron en los códigos de la segunda guerra mundial) haya podido descifrarlo puede hacer pensar que los textos son sólo agrupaciones al azar de caracteres, pero un análisis de frecuencias de apariciones de letras y palabras sugiere que no sólo es un lenguaje concreto, sino que además está basado en alguna lengua natural. Pero nadie ha podido descifrar una sola palabra, o encontrar otros usos de este idioma en otro contexto.

En cuanto al contenido, no se sabe realmente de qué se trata, pero se puede inferir los temas que toca en base a sus ilustraciones. Parece que hay una cierta organización en secciones que tratan de astronomía, botánica, biología, química, farmacéutica o cosmología. Pero no hay certeza de que el texto se refiera a esos temas, o qué conocimientos de los mismos explora. E incluso, de asumir esas materias, se multiplican los misterios: por ejemplo, la mayoría de las plantas comentadas en la sección farmacéutica y botánica no han podido ser identificadas, a pesar del detalle de los dibujos.

Lo extraordinario de este documento ha dado pie a múltiples conjeturas de todo tipo. Las más escépticas afirman que el manuscrito es una elaborada broma, pero a pesar de los esfuerzos en ese sentido no se ha podido probar nada, y lo extenso y detallado del manuscrito no parece avalarlo. Una de las teorías más delirantes (defendida por Jacques Bergier) sugiere que el autor poseía conocimientos peligrosos y extraordinariamente avanzados para su época, como los principios de la energía nuclear, y que tenía que ocultar en el idioma críptico del pergamino. El que hayan pistas que sugieran que la autoría es de varios autores, en lugar de uno, podría reforzar esta hipótesis: un grupo de alquimistas o sabios querían ocultar conocimientos demasiado peligrosos para unos tiempos violentos y caóticos. Otros expertos más realistas sugieren que el texto podría contener realmente conocimientos muy avanzados para su época (la célula o las galaxias), pero que tal vez fue escrito un par de siglos más tarde de lo que se supone, por ejemplo en el s.XVII.

En cualquier caso, está claro que el manuscrito Voynich es uno de los objetos más fascinantes y misteriosos que existen. Si quieren conocer más sobre el tema, ya saben dónde hay más información. Y si quieren examinar con detalle y de forma exhaustiva el documento, en VoynichCentral están escaneadas todas y cada una de las páginas que se conservan.

La ciudad de Belén de hoy en día es muy distinta de aquella descrita por la Biblia. La actual está asfixiada por el muro con el que Israel somete a numerosos emplazamientos de Palestina.

Y para intentar que algo cambie, Banksy y un selecto grupo de graffiteros fueron a los territorios ocupados, a pintar obras que luego van a ser subastadas in-situ. De esa forma recaudarán dinero que luego se empleará en proyectos sociales para niños de Belén, y al mismo tiempo, intentarán que se reanude la peregrinación cristiana a la región, vital para la economía local.

A eso se le llama comprometerse por una causa justa.

En esta noticia de El País de hoy se amplía la información y se muestran algunos de los graffitis. Fíjense en el de la niña que cachea a un soldado. Es magnífico, ¿no creen?.

Chris Scarborough, alias Scarboy, es un dibujante y artista digital del sur de los Estados Unidos, especialmente interesante por su dualidad. En su faceta de dibujante parece usar casi exclusivamente el grafito, de forma muy limpia y minimalista, y creo que tiene ciertas influencias de Klimt. Sin embargo, en su faceta de fotógrafo digital altera los retratos para dotarles de una cierta irrealidad plástica. Como si las personas se convirtiesen en muñecos de plástico, de poses forzadas y ojos vidriosos.

NRey es mucho más agresivo y, ejem, photoshopero. Es un artista Ucraniano (de la exótica localidad de Donetsk) especializado en retocar dramáticamente fotografías (habitualmente autoretratos) para hacerlas más impactantes y dramáticas. Aunque tiene página web, la mejor forma de conocer su arte es a través de su galería DevianArt.

Una de los puntos de interés cultural más importantes de Gran Canaria es la Cueva Pintada de Galdar, que es una especie de museo basado en el enorme yacimiento arqueológico de la Cueva Pintada, de capital importancia en la comprensión del pasado aborigen de la isla.

La visita merece la pena. Es muy entretenida y vistosa, y permite conocer mejor a la fascinante (pero casi desconocida para el público en general) cultura prehispánica de Canarias.

Para que los chavales conozcan un poco mejor esta cultura ha surgido la web armindaylacuevapintada.com. El sitio cuenta como maestra de ceremonias al simpático títere Arminda, que guiará a los chavales en un divertido viaje de descubrimiento de la antigua cultura canaria.

El proyecto fue llevado a cabo por la gente de Mixtura (grandes profesionales y mejores colegas), y el que esto escribe ha tenido la oportunidad de participar en el proyecto desarrollando una pequeña parte del mismo. A ver si aciertan cuál es.

Si uno ve esta galería de imágenes sin saber nada sobre el método usado en la generación de las mismas, podría decir que es arte fractal. Sin embargo, el auténtico origen de estas imágenes son las ondas cerebrales humanas, obtenidas mediante electroencefalograma y procesadas por software para darle esa apariencia.

Para más detalles técnicos, el sistema de generación se explica (de forma bastante confusa) en la página principal del proyecto, BrainPaint.com, y por lo poco que pude entender, realmente usa algo de geometría fractal en el proceso.

Fascinante, ¿no?. No sé muy bien qué saldría si usasen este método con mi cerebro, pero lo que sí sé muy bien es quién podría salir...

Toca otro de mis (a veces polémicos) desahogos personales. Ya saben que no tienen que tomármelos demasiado en serio.

Hace poco un colega y profesor me comentaba que dos chicas en edad de acabar su carrera universitaria no pudieron contestar correctamente preguntas como ¿en qué SIGLO tuvo lugar la Guerra Civil Española?, ¿quién fue Adolfo Suarez? o ¿quién conquistó el Everest?. Las excusas de las consultadas fueron cosas como es que nosotras somos más bien de ciencias.

A pesar de que me reí mucho por la forma expresiva en la que me relató el hecho, lo cierto es que esto es preocupante, sobre todo porque no son la excepción: ya saben que en general, existen unas lagunas descomunales en el conocimiento general de los chavales. Los contenidos docentes se simplifican cada vez más para acomodarse a unos alumnos cada vez menos preparados y autoexigentes. Y tal vez no saber quién conquistó el Everest no es un drama, pero bajo mi punto de vista, no saber el siglo en el que tuvo lugar la Guerra Civil a los veintipico años es un síntoma de que vives de espalda a la realidad del mundo: con sólo interesarte un poquillo por la cultura y la sociedad ya es imposible que no conozcas ese dato. Y gente con esas carencias vitales es presa fácil de manipuladores y de dictadores totalitaristas. No vale la excusa de que se es de ciencias, porque no hablamos de academicismo, sino de formación y maduración como persona.

Por si fuera poco, el mismo día en el que me contaron la anécdota me entero por la maravillosa revista Historia y Vida de que los ingleses han decidido quitar de la lista de personajes aconsejados para su estudio académico a Churchill, Gandhi y a Hitler, entre otros. Esto es de locos: Gandhi es posiblemente el mayor compendio de virtudes humanas, Churchill fue un actor fundamental en la liberación de Europa tras la 2ªGM, y Hitler... es estudiando a Hitler como se puede evitar que otro monstruo como él llegue al poder. ¿Qué personajes van a estudiar entonces? ¿A la Camilla? ¿A la Hilton? ¿Al Aznar?

En fin. Ahí queda mi desahogo. Y por cierto, el título del post viene (otra vez) por una canción de Chumbawamba. Traducido viene a ser algo así como atontándonos.

Siempre me gustó el Lego. Como cualquier persona, desde que nací hasta este momento, he pasado por muchas etapas en las que he querido dedicarme a una u otra cosa: desde la enseñanza hasta la arquitectura. Esta última área me fue vetada debido a mis problemas con las matemáticas de segundo de B.U.P. Mirando atrás, creo que si hubiese tenido otro profesor la cosa habría sido diferente. Quizá ahora hubiese estado haciendo dibujitos en algún estudio, o no.

Por culpa de esta frustación no puedo evitar sentir admiración por mis amigos arquitectos o estudiantes de arquitectura. Aunque claro, vistas las cosas de fuera siempre se las imagina uno mejor de lo que en realidad son. Como en muchas otras profesiones, la arquitectura no se libra de contar con personalidades destacadas. Tampoco faltan los divos que pretenden crear formas imposibles sin tener ni idea de construcción.

Una de esas personalidades destacadas es Sir Norman Foster. Londres está llena de edificios con la firma de este estudio. Sin tener conocimientos de arquitectura, si tuviera que describir sus obras lo haría utilizando las palabras "impresionante", "con muchos espacios abiertos" y "acristalado".

En España este estudio ha firmado obras como el metro de Bilbao o la futura Ciudad del Motor en Aragón, con forma de avión. Qué pena que no la tengan lista para la Expo.

Nota rosa: está casado con una española, la Doctora Elena Fernández Ochoa.

Transinity

Cuando a uno le nombran Londres le viene a la cabeza el Big Ben, la Torre de Londres, el Museo Británico... Los tópicos más manidos de esta ciudad.
Sin embargo, The Big Smoke, como la llaman sus habitantes, tiene muchas más cosas que ofrecer.
Uno de los últimos descubrimientos con los que me he topado ha sido el Museo de Sir John Soane.
Este buen hombre fue el arquitecto encargado de diseñar el Banco de Inglaterra, entre otros edificios. Su afición por el arte lo llevó a coleccionar incontables objetos por todo el mundo que dejaba en su casa. Llegó a almacenar tantas reliquias que iba comprando los edificios adyacentes para poder guardar todo lo que iba recogiendo por los mundos de dios.
Para unos un expoliador, para otros un claro ejemplo de síndrome de Diógenes, lo que no se puede poner en duda es que una visita a su casa no deja indiferente a nadie.

Transinity

Otro de mis posts de parejas de artistas. No hay demasiado en común entre los dos que he seleccionado hoy, pero seguro que encontrarán alguna obra que les interese:

David Ho es un magnífico ilustrador y diseñador gráfico, y uno de los creadores que más mimo y elegancia le ha imprimido a su web. De hecho, creo que es una de mis favoritas en este campo. Su estilo es delicado, preciso y elegante, y suele abordar temáticas surrealistas, siniestras y oníricas. no quisiera seleccionar ninguna de las ilustraciones para que sean ustedes mismos los que navegen y escojan las que más les gusta.

Luis Royo es mucho más conocido que el anterior. De chaval me gustaba mucho, pero, sinceramente, sus temáticas repetitivas y típicas me han cansado bastante con el tiempo. Aun así, su técnica sigue siendo espectacular, y probablemente sigue siendo el favorito de los adolescentes para decorar las paredes de sus habitaciones. Como su página oficial es lenta e incómoda, pueden echarle un vistazo rápido a sus creaciones en esta otra galería no oficial.

Nadie debe perderse la exposición de fotos "Sin permiso, con derecho" que, junto con la muestra de pintura "Yewo Afrik" de Francisco Presa, está expuesta en La Casa de Colón, en Las Palmas de Gran Canaria, justo al lado de la Catedral.

La muestra fotográfica trata sobre la inmigración de africanos hacia Canarias. En efecto, otra exposición sobre la inmigración de africanos hacia Canarias. Pero aunque estemos saturados del tema, hay que seguir reflexionando sobre lo que supone este dramático fenómeno, y de vez en cuando sacudir un poco nuestras consciencias para no dormirnos ante la rutina de las noticias. Ver esta exposición es una forma excelente de hacerlo. A mí, personalmente, me impactó profundamente la imagen de una mujer que llora frente una lápida que pone, simplemente, "Inmigrante n.8"

Además es gratis, así que no tienen excusa. Está hasta el día 14 de diciembre del año que está acabando.

Passing By es una de las webs más hermosas y poéticas que he visto nunca. De esas que nos recuerdan que, a pesar de tanta estupidez 2.0, el net.art aún existe.

Pues eso mismo: un graffiti bastante espectacular, para seguir zanjando eso de que si es simplemente vandalismo o a veces puede ser arte.

Via i-am-bored, que a su vez lo sacó de blublu.org.

Hace ya tiempo que escribí aquí un par de posts sobre pósters de propaganda soviética y de la Guerra Civil Española.

Para los que les interesa el tema, en el sitio Oddee publicaron hace ya tiempo una selección de rarezas del arte propagandístico, que van desde los siniestros carteles aleccionadores nazis hasta una (también bastante siniestra) campaña sueca en contra del euro de hace unos pocos años. Algunos diseños no tienen desperdicio.

Todo esto me recuerda que dentro de poco volveremos a ver todas las calles inundadas de carteles horribles de tipos enchaquetados prometiendo cosas. Que espanto.

Hay algo escalofriantemente tierno y hermoso en esta imagen.

Otros graffittis especialmente inspirados aquí (via DarkRoastedBlend, como de costumbre)

Creo que a H.R. Giger le encantaría el post anterior a éste.

Hans Rudi Giger es un artista suizo conocido por sus siniestras e inquietantes ilustraciones hechas con aérografo. La notoriedad internacional le vino por sus diseños para la película Alien (que le proporcionaron un Oscar) y por su concepción visual del famoso videojuego DarkSeed. Es el artista favorito de chavales góticos, jóvenes cyberpunk y adoradores de la CiFi. Hasta yo mismo pasé, cuando era joven, por mi fase de adorador de Giger y Luis Royo. Ahora me he vuelto más decadente y adoro a los futuristas soviéticos, el ArtDeco y los Mortadelos de los años 70.

Pero a lo que vamos: este post viene a cuento de que la semana pasada Giger estuvo por España para inagurar una exposición retrospectiva de su obra en la Universidad Politécnica de Valencia, que incluye la cabeza original del Alien. Estará hasta el 5 de diciembre, así que los afortunados peninsulares que no tengan que pagar un billete de avión para salir de una isla no deberían perdérsela.

Si quieren conocer un poco más la obra de Giger, aquí hay una estupenda página con muchas de sus ilustraciones. Si quieren ir a tiro hecho, ésta es una de sus obras más famosas (y tal vez mi favorita).

Parece que de un tiempo a esta parte siempre que pongo enlaces a galerías webs de ilustradores lo hago a pares. Pues aquí tienen los de hoy:

- Donato Giancola. Estilo algo academicista, claramente influenciado por los decimonónicos ingleses. Gustará mucho a los aficionados a lo artúrico y romántico. Ha realizado ilustraciones para Magic: The Gathering. Tiene una pequeña sección de técnica que puede serle útil a los que estén empezando en esto del pincel y el óleo.

- Ray Caesar. Muy naïf y depurado, impregna sus ilustraciones con un cierto toque perverso, erótico y onírico.

Merece la pena sumergirse un rato en las imágenes de estos tipos. Seguro que encuentran alguna que les gusta.

Una de las películas más curiosas que he visto en mi vida fue el soberbio documental de Matt McCormick The Subconscious Art of Graffiti Removal.

En él se analiza (y de hecho se define como tal) el arte de la eliminación de graffitis públicos. Me explico: saben que, especialmente en los centros urbanos, los graffitis acaban antes o después cubiertos por capas de pintura que intentan restablecer el aspecto original la fachada o pared en cuestión. Casi siempre el color usado en el proceso no es exactamente igual que el de la superficie original, y casi siempre se cubre sólo el área necesaria para ocultar el graffiti.

En consecuencia: tras la eliminación del graffiti queda en la pared una superficie coloreada diferenciada y reconocible, cuya forma suele dependener de la técnica del eliminador (a menudo un empleado del ayuntamiento) y que dependiendo del contexto pueden modificar la capacidad expresiva o emotiva del lugar. Eso, sin lugar a dudas, es arte. Subconsciente, dado que en general el creador no persigue la creación de una obra (más bien la destrucción de otra), pero no deja de ser arte. Y es una forma bastante original de arte, dado que más que comunicar, perseguía inicialmente impedir la comunicación del graffitero original, pero al hacerlo crea en sí misma un canal de comunicación.

El documental hace una taxonomía de las distintas formas de suprimir graffitis (a base de rectángulos superpuestos, repasando las líneas, grandes superficies regulares...), y realiza unas cuantas reflexiones que oscilan entre lo irónico y lo trascendente.

Si les interesa la propuesta, el documental estaba no hace mucho en la mula. Está maravillosamente narrado (eso sí, en inglés) por Miranda July.

Siempre me ha parecido que la estética de la revolución industrial es una maravillosa fuente de inspiración para la creación visual. Y como no soy, ni mucho menos, el único que lo piensa, aquí tienen un par de enlaces a ilustradores con mucha imaginación y capacidad visionaria, que usan distintos aspectos de aquella época en sus obras.

- Keith Thompson. Especialista en el estilo Steampunk, que viene a ser algo así como una mezcla entre la imaginería victoriana-industrial y Mad Max.

- Mia Mäkilä. Especialista en imágenes que dan muy mal rollo. Surrealismo pesadillesco, collages y fotografías de finales del XIX.